Картины со смыслом: 25 картин, которые стоит знать каждому образованному человеку

Содержание

Знаменитые аллегорические картины со скрытым смыслом


На протяжении всей истории человечества люди любили рассказывать истории. От поэзии и литературы до музыки и искусства — мы рассказываем сказки. Аллегория — один из самых эффективных инструментов раскрытия повествования или концепции. Этот термин происходит от латинского слова allegoria, что означает «завуалированный язык».

«Аллегория» Сандро Боттичелли, 1488–1552

В живописи художники использовали аллегории для передачи сложных идей — любовь, жизнь, смерть, добродетель и справедливость, через визуальные символы и метафоры.
Аллегория подобна скрытому значению, ожидающему своего открытия зрителем.

Аллегорическая картина может включать фигуры, олицетворяющие различные эмоции, такие как зависть или любовь.
Религиозные символы часто изображаются в виде голубя, цветка или луча света.

Эти темы рисовались с эпохи Возрождения до середины 1800-х годов.
Многие остаются неуловимыми сегодня; аллегорические фигуры зависят от способности зрителя их распознавать, но не каждый может расшифровать их значение.
И поскольку они могут быть субъективными, значения часто вызывают бесконечные споры.

Вот увлекательные примеры аллегории на известных картинах. Наверно, всем видно, что в этих картинах есть нечто большее, чем кажется на первый взгляд.

Жан-Леон Жером, миф о Леде и Лебеде.


Леда восхищена греческим богом Зевсом , который принял облик лебедя.
Хотя этот сильно заряженный рассказ часто интерпретируется как жестокий, Жером изображает его как долгожданный интимный момент между влюбленными.
Леда стоит обнаженная с распростертыми объятиями, а к ней элегантно плывет лебедь, ведомый группой амуров (олицетворяющих любовь).
Считается, что обе фигуры олицетворяют чувственность и желание.

«Алхимик» Питера Брейгеля Младшего, 1558 г

Шедевр «Алхимик» Питер Брейгель Младший -это рассказ о безрассудстве и жадности. На картине изображен алхимик за работой, отчаянно пытающийся превратить что-то в золото. А рядом с ним жена, отчаянно ищущая монеты в кошельке. Вдобавок дурачок стоит рядом и раздувает огонь — в целом питая все усилия.
В правом верхнем углу картины изображена семья алхимика, выпрашивающая монеты.
Это показывает конечные последствия их глупых попыток заработать золото идиотским путем.

Когда эта сцена была написана в 16 веке, практика алхимии (превращения одного металла в другой) уже была дискредитирована.

«Венера, Амур и зависть» Анджело Бронзино, 1548–1550

«Венера, Амур и Зависть» — это вариация на ранние работы Бронзино «Венера, Амур, Безумие и Время».
На обеих картинах Венера, богиня любви, а также Амур. Здесь Венера обезоруживает Амура. Маски комедии и трагедии можно увидеть у ног Венеры.

Зависть представлена ​​в виде рогатого существа или демона, расположенного за спиной купидона. При ближайшем рассмотрении изо рта существа, кажется, сворачивается змея, что также свидетельствует о ревности.

Розовые розы в правом верхнем углу сцены олицетворяют красоту, страсть и любовь.

«Воспитание Ахилла» Огюста-Клемана Кретьена, 1861


Шедевр французской неоклассической живописи, «Воспитание Ахилла» Огюста-Клемана Кретьена — рассказ из жизни Ахилла.
Юный воин с Хироном Кентавром, легендарным наставником богов. Хирон изображен исправляющим позу своего ученика.
Картина воплощает концепцию обучения как властного, но заботливого процесса.

Необычные картины художников со смыслом. Самые странные картины


Среди мирных пасторалей, благородных портретов и прочих произведений искусства, которые вызывают только положительные эмоции, есть полотна странные и шокирующие. Мы собрали 15 картин, которые заставляют зрителей ужаснуться. Причём все они принадлежат кисти всемирно известных художников.

«Герника»

Одна из самых известных работ Пабло Пикассо «Герника» — повествование о трагизме войны и страданиях невинных людей. Эта работа получила всемирное признание и стала напоминанием об ужасах войны.

«Проигрыш разума перед материей»

«Проигрыш разума перед материей» — картина, написанная в 1973 году австрийским художником Отто Раппом. Он изобразил разлагающуюся человеческую голову, надетую на птичью клетку, в которой лежит кусок плоти.

«Данте и Вергилий в аду»

Картина Адольф Вильям Бугро «Данте и Вергилий в аду» была вдохновлена короткой сценой о битве между двумя проклятыми душами из «Ада» Данте.

«Подвешенный живой негр»

Это ужасное творение Уильяма Блейка изображает раба-негра, который был повешен на виселицу с помощью крючка, продетого через его ребра. Работа основана на рассказе голландского солдата Стэдмена – очевидце подобной жестокой расправы.

«Ад»

Картина «Ад» немецкого художника Ганса Мемлинга, написанная в1485 году, является одной из самых страшных художественных творений своего времени. Она должна была подтолкнуть людей к добродетели. Мемлинг усилил ужасающий эффект сцены, добавив подпись: «В аду искупления нет «.

Дух воды

Художник Альфред Кубин считается крупнейшим представителем символизма и экспрессионизма и известен своими темными символическими фантазиями. «Дух воды» — одна из таких работ, изображающих бессилие человека перед морской стихией.

«Necronom IV»

Это страшное творение известного художника Ганса Рудольфа Гигера было вдохновлено известным фильмом «Чужой». Гигер страдал от ночных кошмаров и его все картины были вдохновлены этими видениями.

«Свежевание Марсия»

Созданная художником времен итальянского Возрождения Тицианом картина «Свежевание Марсия» в настоящее время находится в Национальном музее в Кромержиже в Чехии. Художественное произведение изображает сцену из греческой мифологии, где с сатира Марсия сдирают кожу за то, что он осмелился бросить вызов богу Аполлону.

«Крик»

Крик является известнейшим полотном норвежского экспрессиониста Эдварда Мунка. На картине на фоне неба цвета крови изображён отчаянно кричащий человек. Известно, что «Крик» был вдохновлен безмятежной вечерней прогулкой, во время которой Мунк стал свидетелем кроваво-красного заходящего солнца.

«Gallowgate Lard»

Эта картина ни что иное, как автопортрет шотландского автора Кена Карри, который специализируется на мрачных, социально-реалистических картинах. Любимая тема Карри — мрачная городская жизнь шотландского рабочего класса.

«Сатурн, пожирающий своего сына»

Одна из самых известных и зловещих работ испанского художника Франсиско Гойя была нарисована на его стене дома в 1820 — 1823. «Сатурн, пожирающий своего сына» основан на греческом мифе о титане Хроносе (в Риме — Сатурн), который опасался, что будет свергнут одним из своих детей и съедал их сразу после рождения.

«Юдифь, убивающая Олоферна»

Казнь Олоферна изображали такие великие художники, как Донателло, Сандро Боттичелли, Джорджоне, Джентилески, Лукас Кранах старший и многие другие. На картине Караваджо, написанной в 1599 году, изображён самый драматичный момент этой истории — обезглавливание.

«Кошмар»

Картина «Кошмар» швейцарского живописца Генриха Фюзели была впервые показана на ежегодной выставке Королевской Академии в Лондоне в 1782 году, где она шокировала и посетителей, и критиков.

«Избиение младенцев»

Это выдающееся произведение искусства Петера Пауля Рубенса, состоящее из двух картин, было создано в 1612, как полагают, под влиянием работ известного итальянского художника Караваджо.

Если картины показались чересчур мрачными, чтобы повесить их дома, можно воспользоваться одним из .

Много ли нужно для того, чтобы стать художником? Может быть талант? Или умение учиться чему-то новому? Или бурная фантазия? Безусловно, все это необходимые факторы, но какой самый главный? Вдохновение. Когда художник буквально вкладывает свою душу в картину, она становится словно живой. Магия красок творит чудеса, а взгляд невозможно перевести, хочется изучить каждую мелочь…

В этой статье мы рассмотрим 25 поистине гениальных и известных картин.

✰ ✰ ✰
25

«Постоянство памяти», Сальвадор Дали

Эта небольшая картина и принесла популярность Дали, когда ему было 28 лет. Это не единственное название картины, так же она имеет названия «Мягкие часы», «Стойкость памяти», «Твердость памяти».

Идея написания картины пришла к художнику в тот момент, когда он думал о плавленном сыре. Запись о смысле и значении картины Дали не оставил, поэтому ученые трактуют ее по своему, склоняясь к теории относительности Эйнштейна.

✰ ✰ ✰
24

«Танец», Анри Матисс

Картина написана всего тремя цветами — красный, синий и зеленый. Они символизируют небо, землю и людей. Помимо » Танца» Матисс написал еще картину «Музыка». Их заказал русский коллекционер.

На ней нет лишних деталей, только природный фон и сами люди, которые застыли в танце. Именно этого и хотел художник — зафиксировать удачное мгновение, когда люди едины с природой и переполнены экстазом.

✰ ✰ ✰
23

«Поцелуй», Густав Климт

«Поцелуй» — самая известная картина Климта. Он писал ее в свой «золотой» период творчества. Он использовал самое настоящее сусальное золото. Есть две версии биографии картины. По первой версии, на картине изображен сам Густав со своей любимой Эмилией Флёге, чье имя он произнес последним в своей жизни. По второй же версии, картину заказал некий граф, чтобы Климт нарисовал его и возлюбленную.

Когда граф спросил почему на картине нет самого поцелуя, Климт заявил, что он художник и он так видит. На самом же деле Климт влюбился в девушку графа и это было некоей местью.

✰ ✰ ✰
22

«Спящая цыганка», Анри Руссо

Полотно нашли лишь спустя 13 лет после смерти автора и оно сразу стало самым дорогим его произведением. При жизни он пытался продать ее мэру города, но все безуспешно.

Картина передает оригинальный смысл и глубокую задумку. Умиротворение, отдых — вот какие чувства вызывает «Спящая цыганка».

✰ ✰ ✰
21

«Страшный суд», Иероним Босх

Картина самая масштабная из всех его уцелевших произведений. В объяснении сюжета картина не нуждается, все понятно из названия. Страшный суд, апокалипсис. Бог судит и праведников и грешников. Картина разделена на три сцены. В первой сцене рай, зеленые сады, блаженство.

В центральной части сам Страшный суд, где Бог начинает судить людей за их деяния. В правой стороне изображен ад, как и представляется. Страшные чудища, раскаленное пекло и чудовищные пытки над грешниками.

✰ ✰ ✰
20

«Метаморфозы Нарцисса», Сальвадор Дали

Для основы было взято много сюжетов, но самое главное место занимает история Нарцисса — парня, который настолько восхищался своей красотой, что умер от того, что не смог удовлетворить свои желания.

На первом плане картины Нарцисс сидит в задумчивости у воды и не может оторваться от своего собственного отражения. Рядом изображена каменная рука, в которой яйцо, оно является символом возрождения и новой жизни.

✰ ✰ ✰
19

«Избиение младенцев», Питер Пауль Рубенс

За основу картины был взят сюжет из Библии, когда царь Ирод велел убивать всех новорожденных мальчиков. На картине изображен сад во дворце Ирода. Вооруженные воины силой отнимают младенцев у рыдающих матерей и убивают их. Земля усыпана мертвыми телами.

✰ ✰ ✰
18

«Номер 5 1948», Джексон Поллок

Джексон пользовался уникальным методом нанесения красок на картину. Он ложил полотно на землю и ходил вокруг него. Но вместо того, чтобы наносить мазки, он брал кисти, шприцы и брызгал на полотно. Позже этот метод назвали «живопись действия».

Поллок не использовал эскизы, он всегда полагался только на свои эмоции.

✰ ✰ ✰
17

«Бал в Мулен де ла Галетт», Пьер-Огюст Ренуар

Ренуар единственный художник, не написавший ни одной грустной картины. Сюжет для этой картины Ренуар нашел рядом с домом, в ресторане «Мулен де ла Галетт». Живая и веселая атмосфера заведения вдохновила художника на создание этой картины. Для написания произведения ему позировали друзья и любимые натурщицы.

✰ ✰ ✰
16

«Тайная вечеря», Леонардо да Винчи

На этой картине изображено последнее застолье Христа с его учениками. Принято считать, что нарисован тот момент, когда Христос говорит о том, что один из учеников предаст его.

В поисках натурщиков да Винчи провел много времени. Самыми сложными были образ Христа и Иуды. В церковном хоре Леонардо заметил юного певца и рисовал с него образ Христа. Спустя три года художник увидел в канаве опустившегося пьяницу и понял — это тот, кого он искал и притащил его в мастерскую.

Когда он срисовал образ с пьяницы, тот признался ему — три года назад сам художник рисовал с него образ Христа. Так и получилось, что образы Иисуса и Иуды были списаны с одного и того же человека, но в разных жизненных периодах.

✰ ✰ ✰
15

«Водяные лилии», Клод Моне

В 1912 году художнику поставили диагноз двойной катаракты, из-за этого он перенес операции. Лишившись хрусталика на левом глазу, художник стал видеть ультрафиолет как голубой или фиолетовый цвет, из-за этого его картины приобрели новые и яркие цвета. Рисуя эту картину, Моне видел лилии голубыми, тогда как обычные люди видели просто обычные белые лилии.

✰ ✰ ✰
14

«Крик», Эдвард Мунк

Мунк страдал маниакально-депрессивным психозом, его часто мучили кошмары и депрессии. Многие критики считают, что на картине Мунк изобразил самого себя — кричащего от панического и безумного ужаса.

Сам же художник описывал смысл картины как «крик природы». Он говорил, что шел с друзьями на закате и небо окрасилось в кроваво-красный цвет. Дрожа от страха, он якобы услышал тот самый «крик природы».

✰ ✰ ✰
13

«Мать Уистлера», Джеймс Уистлер

Для картины позировала мать самого художника. Изначально он хотел, чтобы мать позировала стоя, но для старой женщины это оказалось сложно.

Уистлер назвал свою картину » Аранжировка в сером и черном. Мать художника». Но со временем настоящее название забылось и люди начали называть ее «Мать Уистлера.»

Первоначально это был заказ от члена парламента. который хотел, чтобы художник нарисовал дочь Мэгги. Но в процессе та отказалась от картины и Джеймс попросил свою мать стать натурщицей, чтобы закончить картину.

✰ ✰ ✰
12

«Портрет Доры Маар», Пабло Пикассо

Дора вошла в творчество Пикассо как «женщина в слезах». Он отмечал, что никогда не мог написать ее улыбающейся. Глубокие, печальные глаза и грусть на лице — вот характерные особенности портретов Маар. И обязательно кроваво-красные ногти — это особенно восхищало художника. Пикассо часто писал портреты Доры Маар и все они достойны восхищения.

✰ ✰ ✰
11

«Звездная ночь», Винсент Ван Гог

На картине изображен ночной пейзаж, который художник выразил густыми, яркими красками и атмосферой ночного спокойствия. Самые яркие объекты это, конечно, звезды и луна, они нарисованы наиболее выражено.

На земле растут высокие кипарисы, как бы мечтая присоединиться к увлекательным танцам звезд.

Смысл картины трактуют по разному. Некоторые видят отсылку к Ветхому Завету, а кто-то просто склоняется к тому, что картина это результат затяжной болезни художника. Именно во время лечения он и написал «Звездную ночь».

✰ ✰ ✰
10

«Олимпия», Эдуард Мане

Картина послужила причиной для одного из самых громких скандалов в истории. Ведь на ней изображена обнаженная девушка, лежащая на белых простынях.

Возмущенные люди плевали в художника, а некоторые даже пытались испортить полотно.

Мане хотел лишь нарисовать «современную» Венеру, показать, что женщины настоящего ничуть не хуже женщин прошлого.

✰ ✰ ✰
9

«3 мая 1808», Франсиско Гойя

Художник глубоко переживал события, связанные с нападением Наполеона. В мае 1808 года восстание мадридцев трагически закончилось и это настолько затронуло душу художника, что спустя 6 лет он излил свои переживания на полотно.

Война, смерть, утрата — все это настолько реалистично изображено на картине, что восхищает умы многих до сих пор.

✰ ✰ ✰
8

«Девушка с жемчужной серёжкой», Ян Вермеер

У картины было еще одно название «Девушка в тюрбане». Вообще о картине известно немного. По одной из версий Ян нарисовал собственную дочь Марию. На картине девушка словно поворачивается к кому-то и взгляд зрителя фокусируется на жемчужной сережке в ухе девушки. Блеск сережки отсвечивает и в глазах и на губах.

По картине был написан роман, в последующем сняли одноименный фильм.

✰ ✰ ✰
7

«Ночной дозор», Рембрандт

Это групповой портрет роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга. Портрет был написан по заказу Стрелкового общества.
При всей трудности содержания, картина полна духом парада и торжественности. Словно мушкетеры позируют художнику, забыв о бое.
Позже картину обрезали со всех сторон, чтобы она поместилась в новом зале. Некоторые стрелки исчезли с картины безвозвратно.

✰ ✰ ✰
6

«Менины», Диего Веласкес

На картине художник пишет портреты короля Филлипа Четвертого и его супруги, которые видны отраженными в зеркале. В центре композиции изображена их пятилетняя дочь, окруженная свитой.

Многие считают, что Веласкес хотел изобразить самого себя в момент творчества — «живопись и живописи».

✰ ✰ ✰
5

«Пейзаж с падением Икара», Питер Брейгель

Это единственная сохранившаяся работа художника на тему мифов.

Главного героя картины практически не видно. Он упал в реку, из водной глади торчат лишь ноги. На поверхности реки разбросаны перья Икара, которые вылетели от падения. А люди заняты своими делами, никому нет дела до упавшего юноши.

Казалось бы, картина трагична, ведь на ней изображена смерть молодого юноши, однако картина написана в спокойных, неярких тонах и как бы говорит — » ничего не произошло».

✰ ✰ ✰
4

«Афинская школа», Рафаэль

До «Афинской школы» Рафаэль мало имел опыта со фресками, но на удивление, эта фреска получилась по гениальному превосходна.

Эта картина изображает Академию, которую основал Платон в Афинах. Собрания Академии проходили под открытым небом, но художник решил, что более гениальные идеи приходят в великолепно сделанном античном здании и поэтому изображает учеников именно не на фоне природы. На фреске Рафаэль изобразил и самого себя.

✰ ✰ ✰
3

«Сотворение Адама», Микеланджело

Это четвертая из девяти фресок потолка Сикстинской капеллы на тему сотворения мира. Микеланджело не считал себя великим художником, он позиционировал себя как скульптор. Именно поэтому тело Адама на картине такое пропорциональное, имеет ярко выраженные черты.

В 1990 году обнаружили, что в изображении Бога зашифровано анатомически точное строение человеческого мозга. Возможно, Микеланджело был хорошо знаком с анатомией человека.

✰ ✰ ✰
2

«Мона Лиза», Леонардо да Винчи

Мона Лиза и по сей день остается одной из самых загадочных картин в мире искусства. Критики до сих пор спорят, кто же на самом деле изображен на ней. Многие склоняются к тому, что Мона Лиза это жена Франческо Джоконды, который и попросил художника написать портрет.

Главная загадка картины кроется в улыбке женщины. Версий множество — начиная от беременности женщины и улыбка выдает движение плода, заканчивая тем, что на самом деле это автопортрет художника в женском образе. Что же, остается только гадать и восхищаться невероятной красотой картины.

✰ ✰ ✰
1

«Рождение Венеры», Сандро Ботичелли

На картине изображен миф рождения богини Венеры. Богиня родилась из морской пены, ранним утром. Бог ветров Зефир помогает богине доплыть до берега в своей раковине, где ее встречает богиня Ора. Картина олицетворяет рождение любви, вызывает чувство прекрасного, ведь на свете нет ничего прекрасней, чем любовь.

✰ ✰ ✰

Заключение

Мы постарались уместить в этой статье лишь некоторые из самых популярных картин в мире. Но есть ещё и множество других не менее интересных шедевров изобразительного искусства. А какие картины Вы считаете популярными?

Художники отличаются богатым воображением и стараются создавать необычные картины, привнося в них уникальность и разнообразие. Некоторые полотна очаровывают и вдохновляют, а некоторые пугают изображенными образами.

Венера с зеркалом

Полотно написано Диего Веласкесом во время путешествия в Италию. Это было сделано тайно, так как в Испании в те времена изображать обнаженную фигуру было категорически запрещено.

С произведением связано много неприятных историй. Первым владельцем был купец из Испании, который после приобретения шедевра внезапно разорился. Сначала торговля стала идти хуже, а потом произошли более серьезные беды─ товары захватили пираты, корабли затонули. Купец начал продавать свое имущество, чтобы возместить убытки и сбыл картину. «Венеру с зеркалом» приобрел другой человек, который тоже занимался торговлей. Практически сразу его склады сгорели от удара молнии. Он тоже продал полотно.

Третий владелец через три дня был зарезан в своем собственном доме. После, долгое время никто не хотел покупать «Венеру с зеркалом». Картина переходила из одного музея в другой, пока одна сумасшедшая женщина по имени Мэри Ричардсон не совершила акт вандализма и не порезала ее мясным тесаком. Полотно было отреставрировано и вернулось в Лондонскую Национальную галерею, где находится по сегодняшний день.

Крик

У Эдварда Мунка, автора произведения, был маниакально-депрессивный психоз. Он часто страдал депрессивными расстройствами, а по ночам его мучали кошмары. На полотне Мунка красуется мистическое изображение безволосого существа с открытым ртом.

Большинство критиков утверждают, что на полотне Эдвард изобразил самого себя. Но художник говорит совершенно иное─ что это просто «крик природы». Он гулял в компании друзей и увидел закат, который и вдохновил его на написание странной картины.

Если верить легенде, то все, кто контактировал с «Криком», так или иначе пострадали. Один сотрудник музея попал в аварию, а другой покончил жизнь самоубийством.

Женщина дождя

Одна из самых необычных в мире картин написана винницкой художницей Светланой Телец в конце 90-годв прошлого столетия. До нее она была никому неизвестна. За несколько месяцев до того, как Тилец приступила к своему творению, ее начали посещать видения. Иногда Светлана чувствовала, что за ней наблюдают со стороны. Несмотря на то, что художница старалась гнать от себя тревожные мысли, они появлялись снова. Спустя некоторое время, у Телец возникла идея написать портрет загадочной женщины. Она приступила к работе, ее рука была ведома какой-то невидимой силой. Портрет был готов в рекордно быстрые сроки- всего за пять часов.

Спустя месяцы в городе появились слухи, что над картиной висит проклятие. Все покупатели спешили вернуть ее в художественный магазин, даже не забирая свои деньги назад. Каждый из них утверждал, что полотно оживает по ночам. Люди начинали страдать от головных болей и прочих недомоганий, не могли спать.

«Женщина дождя»─ очень атмосферная и впечатляющая картина. В ней отменно сочетаются фон, ракурс и пропорции. Возможно, именно этот факт так влияет на эмоциональное состояние хозяев.

Тайная вечеря

На полотне представлено изображение последнего пасхального застолья Иисуса Христа и его учеников-апостолов. Считается, что Христос говорит о будущем предательстве одного из своих приближенных. Художник попытался изобразить реакцию каждого ученика на сказанную фразу. Само название картины уже говорит о его сакральном значении. В работе действительно прослеживаются скрытые символы и послания.

Произведение попросил выполнить на заказ миланский герцог. Известно, что да Винчи долгое время искал натурщиков для своего произведения. Особую сложность представлял образ Христа. В конце концов, он срисовал его с юного певца из церковного хора, который показался ему олицетворением чистоты и одухотворенности. Самое удивительное, что через три года, Леонардо нашел пьяницу в канаве и рисовал с него образ Иуды. Как оказалось, это был все тот же певец. «Тайная вечеря» была полностью завершена в 1498 году.

Во время Второй мировой войны в церковь, где находилось произведение, попал снаряд. Здание было полностью разрушено, но стена с изображением фрески чудом уцелела.

Метаморфозы Нарцисса

Одна из самых странных картин Сальвадора Дали была написана в 1937 году. Это красивое и символичное произведение, для работы над которым Дали использовал особые краски и кисти. Также, художник опробовал новую технику накладывания мазков.

На картине изображен парень, восхищавшийся своей красотой. На первом плане он сидит у водоема и любуется на свое отражение, рядом ─изображение каменной руки с яйцом. Последнее является символом возрождения и новой жизни.

Сейчас «Метаморфозы Нарцисса» находятся в Лондоне в Галерее Тейт.

Поцелуй

Шедевр был написан австрийским художником Густавом Климтом с использованием самого настоящего листового сусального золота. Он трудился над его созданием в течение года. На полотне изображены двое обнявшихся влюбленных на цветочном лугу. Вокруг ничего и никого нет, только золотой фон.

Одна версия гласит, что картина была заказана неким графом. Он хотел, чтобы его запечатлели вместе с возлюбленной. Когда девушка увидела полотно, то оно ей так понравилось, что она немедленно согласилась стать женой графа. Согласно второй версии, на «Поцелуе» изображение самого Густава и его любимой женщины Эмилии.

Танец

Картину написал Анри Матисс, используя всего три цвета- зеленый, синий и красный. На ней изображены только люди, застывшие в танце, и природа. Никаких лишних деталей нет. Полотно словно живое, очень хорошо передает вибрации.

Танец отличается благородством и завораживает естественностью. Идея художника состояла в том, чтобы запечатлеть тот миг, когда человек объединяется с природой и переполнен экстазом.

Водяные лилии

Пейзаж является созданием талантливого импрессиониста своего времени Клода Моне. Когда он окончил работу над своим произведением, то решил отметить это событие с приятелями. В мастерской художника произошел небольшой пожар, который был сразу же потушен. Никто не придал значения инциденту, но оказалось, что шедевр несет в себе незримый огненный фантом.

«Водяные лилии» повесили в ресторанчике, расположенном на Монмартре. Что удивительно, всего за одну ночь заведение сгорело. А вот картина чудесным образом уцелела. Позже она была куплена меценатом Оскаром Шмитцом. Спустя год после приобретения, его дом тоже выгорел. Причем возгорание началось именно в кабинете с полотном. И опять же, шедевр остался цел и невредим. Следующая жертва пейзажа-Нью-йоркский музей современных искусств. «Водяные лилии» были перевезены в него, и через несколько месяцев случилось возгорание. Шедевр частично обуглился. После реставрации «пожароопасных» свойств пейзаж больше не проявлял.

Есть еще немало интересных картин, написанных самыми талантливыми художниками. В мире много творческих людей, которые постоянно придумывают и создают новые необычные произведения.

Необычные картины художников

5 (100%) 1 проголосовавших

Думаете, что художественные шедевры можно создавать только лишь с помощью карандашей и красок? Эти 10 современных художников доказывают, что любой материал под кистью таланта превращается в шедевр, а иногда даже и кисть не нужна — в ход идут самые непредсказуемые инструменты. Одни работы поражают реалистичностью, другие — мастерством автора, а некоторые созданы настолько странным образом, что не могут не дарить хорошее настроение.

1. Виниций Кесада (Vinicius Quesada). «Блюз, написанный кровью»

Бразилец обожает шокировать публику своими работами: свои апокалиптические картины художник создает при помощи человеческой кровью и мочи. На картинах присутствуют всего лишь три цвета — желтый, синий и красный. Автор, в прямом смысле слова, вкладывает жизнь в свои работы, так как в качестве материала использует исключительно свою кровь, выделяя 450 мл крови каждые 2 месяца.

2. Элизабетта Рогаи (Elisabetta Rogai). Картины, которые со временем становятся только «лучше»

Элизабетта создает свои картины, используя достаточно изысканный материал — белое и красное вино. Причем использует она его не в качестве источника вдохновения, а вместо красок. Особенность ее работ в том, что цвет красок на полотне со временем меняется, так как вино стареет и приобретает новые оттенки.

3. Таринан фон Анхальт (Jet Art). Реактивное искусство от княгини из Флориды

Американская художница свои абстрактные картины создает при помощи потоков воздуха от реактивного двигателя самолета. Клиенты Таринан платят огромные деньги за возможность увидеть, как художница творит, ведь сам по себе этот процесс представляет собой небольшое шоу с риском для жизни. За создание одной абстрактной картины ценителю креатива придется выложить не меньше 50 тысяч долларов. Свою технику Jet Art княгиня использует также для декорирования одежды, которую демонстрирует на различных фэшн-шоу.

4. Подводные картины украинских художников

Креативные украинские дайверы создают свои работы на глубинах от 2 до 20 метров в водах Черного и Красного моря. Художников настолько вдохновляет красота подводного мира, что они придумали необычный способ запечатлеть ее с помощью обычной краски и холста с нанесением водонепроницаемого клея. Целая группа художников ежегодно представляет свои картины на выставках в Киеве. Примечательно, что количество последователей с каждым годом растет и «подводная живопись» становиться все популярнее не только среди профессиональных дайверов, но и творческих людей.

5. Натали Айриш (Natalie Irish). Картины с «любовью»

Художница рисует поцелуями, а в качестве материала использует обычную губную помаду! В среднем на одну картину уходит около пяти тюбиков помады, а благодаря современным возможностям beauty-индустрии палитра для рисования достаточно широкая. Первой работой художницы был портрет Мерлин Монро — именно с этой актрисой у Натали ассоциируется красная помада. Художница призналась, что создание ее картин — непростой труд, ведь ей необходимо методично по определенной схеме оставлять поцелуи на холсте, постоянно меняя фокусировку глаз. На одну картину уходит минимум 3 часа.

6. Отман Тома. Творчество «со вкусом» или еда как искусство

Багдадский художник совмещает приятное с …творческим и при создании своих работ вместо привычных красок использует мороженое. Его работы похожи на акварельные рисунки, имеют широкий спектр насыщенных цветов. Художник всегда фотографирует свои работы с остатками мороженого и кистями на холсте, тем самым показывая небольшую часть процесса превращения любимого десерта в искусство.

7. Карен Эланд (Karen Eland). Репродукции мировых шедевров и кофе

Художница создает картины при помощи обычного эспрессо. Карен делает необычайно точные копии известных картин, придавая им авторский штрих — чашку кофе. Копии работ Матисса, Пикассо и Да Винчи вышли из-под кисти художницы настолько реалистично, что трудно поверить, что они создавались при помощи обычного кофе. Художница признается, что больше всего любит работать в кофейнях, так как тамошняя теплая обстановка является для нее необычайно вдохновляющей.

8. Джудит Браун (Judith Braun). «Аппликатура» от необычной американки

При создании своих замысловатых картин художница использует свои пальцы и угольную пыль. Именно данное направление творчества художницы, которая работает в различных техниках более 30-ти лет, пользуется огромной популярностью, особенно серии «Симметричные процедуры» и «Алмазная пыль». Сама же Джудит не считает свои работы искусством в чистом виде.

9. Кира Эйн Варзеджи Kira Ayn Varszegi. Чем грудь не инструмент для создания картин?

Видимо так думала американская художница, которая при написании картин вместо кистей использует собственную грудь. Абстрактные картины пользуются большим спросом, а сама Кира — популярностью в сети. На выставках и в современных галереях креативная художница пока не представлена, но ее картины в интернете распродаются быстро и за неплохие деньги.

10. Паоло Троило (Paolo Troilo). Монохромные картины от итальянского самоучки

Паоло Троило имел успешную бизнес-карьеру, научился рисовать самостоятельно, а в 2007 году был признан лучшим итальянским креативщиком. Пишет картины мастер акриловыми красками без помощи каких-либо инструментов, только пальцами. Отличительная черта его картин — монохромная гамма, загадочность и реалистичность красоты мужского тела.

Картины со смыслом: «Времена года» стали шансом для молодого художника | МОЛОДОЙ НИЖНИЙ:Подробности | МОЛОДОЙ НИЖНИЙ

Поиск себя

Живописью Ирина занимается почти десять лет. За это время у неё уже было несколько выставок, но никогда прежде её картины не выставляли в государственном художественном музее.

— Эта экспозиция стала настоящим признанием моего творчества и моих взглядов на искусство, — считает Ирина. – Мне кажется, что попасть в художественный музей – это большая удача. Когда Леонид КОЛОСОВ предложил мне выставить свои работы, я сразу согласилась. Такой шанс выпадает нечасто.

На выставке Ирина представила свои произведения в графике.

— Я выбрала те, которые мне кажутся наиболее зрелыми в философском плане и в плане техники. Если сравнить их с ранними работами, то многое изменилось – сейчас я стараюсь использовать другие краски, касаюсь более глубоких и серьёзных тем. Если в 13 лет тема одиночества рассматривалась в индивидуальном контексте, то сейчас она приобрела какой-то метафизический аспект. Еще одна важная для меня тема – это вечный поиск себя, своего места в этом мире, — говорит художница.

 

«Красные» и «синие»

Столь необычно тонкое видение мира требует и от зрителя соответствующих познаний. Только после внимательного изучения игры красок и наслоения смысловых образов картина раскрывает себя, становится понятной и близкой.

— Все свои картины я условно делю на «красные» и «синие». Это никак не связано с их цветовой гаммой. Это зависит только от моего внутреннего ощущения той или иной картины. Синие вызывают умиротворение на душе, чувство покоя и гармонии. Красные, напротив, несут в себе много экспрессии, поднимают целый шквал эмоций внутри. Как правило, «красные» картины я пишу тогда, когда в моей жизни образуется некий застой, жизнь течет размеренно и привычно. А «синие» связаны с какими-то яркими динамичными событиями. Таким образом, творчество уравновешивает мою повседневную жизнь.

Для того чтобы не потерять тот начальный эмоциональный толчок, который становится основой картины, Ирине приходится тщательно воспроизводить нужное состояние души.

— Если я начинала писать картину вечером, то я всегда буду работать над ней только вечером. Если мне было в этот момент грустно, значит, для дальнейшей работы я буду ждать такого же настроения. Это очень тонкое состояние даже не знаю, как это объяснить…

 

Не профессия

После интуитивного этапа разработки идеи и образов начинается не менее важный период технической прорисовки деталей. Именно в это время эскиз превращается в картину.

— На сегодняшний момент у меня много неоконченных эскизов, над которыми я планирую работать и дальше. Так что планы самые обширные.

Несмотря на это, Ирина не считает искусство своей профессией. Окончив архитектурно-строительный университет, она работает дизайнером и меньше всего хочет становиться профессиональным художником.

— Как только искусство становится профессией, художник начинает творить на потребу публике. Исчезает то сказочное ощущение свободы, которые возникает, когда пишешь для себя. Для меня неважно, понимают меня или нет. Я просто так вижу мир и не собираюсь что-либо разъяснять или упрощать в своих работах. Пока я непрофессионал, могу себе это позволить.

Смотрите также:

12 картин со скрытым смыслом — Рамблер/кино

Интересное искусство: 12 картин со скрытым смыслом

Художники часто оставляют послания на своих картинах, делают отсылки к другим произведениям и вкладывают в них личные переживания. Рассказываем о 12 картинах, в которых заложен тайный смысл. Уверяем тебя, после этого материала ты посмотришь на них совершенно иначе.

«Сотворение Адама», Микеланджело

«Сотворение Адама», Микеланджело

«Сотворение Адама» – одно из самых известных произведений Микеланджело. На нем невооруженным взглядом можно увидеть очертание человеческого мозга. И это не совпадение: художник увлекался анатомией и, говорят, даже вскрывал трупы.

«Мадонна со святым Джованнино», Доменико Гирландайо

«Мадонна со святым Джованнино», Доменико Гирландайо

На этой картине эксперты увидели неопознанный летающий объект в форме диска, который художник прорисовал очень детально (напоминаем, что картина была написана в XV веке). А на заднем фоне изображен человек, который всматривается в него.

«Фламандские пословицы», Питер Брейгель-старший

«Фламандские пословицы», Питер Брейгель-старший

На этой картине Брейгеля-старшего изображено 112 нидерландских народных пословиц того времени. Например, «вешать колокольчик на кота» означает совершать опасный и неразумный поступок, а «целовать дверную ручку» – быть неискренним. Художник хотел, чтобы люди задумались о своих поступках и проанализировали свою жизненную позицию.

«Ужин в Эммаусе», Караваджо

«Ужин в Эммаусе», Караваджо

Сюжет этой картины передает трапезу воскресшего Иисуса со своими учениками. Но все внимание привлекает именно стол, с которого можно считать несколько тайных посланий, заложенных художником. Так, например, от корзины с фруктами отражается тень в виде рыбы, что олицетворяет обязательный обет молчания в жизни христиан.

«Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк

«Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк

Считается, что на этой картине изображены купец Джованни ди Николао Арнольфини и его жена (правда, некоторые исследователи уверены, что это автопортрет художника с женой). Но внимание многих искусствоведов привлекает именно зеркало, в отражении которого можно увидеть самого художника с палитрой в руках. А над зеркалом можно увидеть надпись: «Ян ван Эйк был здесь».

«Спальня в Арле», Винсент Ван Гог

В мае 1888 года художник переезжает в Арль (город на юге Франции), где обзаводится мастерской и продолжает творить. Так, к осени он окончательно обустраивается и решает нарисовать свою спальню. Картина получается преимущественно в желтых тонах, и это не случайно. Многие эксперты объясняют это тем, что Ван Гог принимал лекарство от эпилепсии, из-за которого сильно менялось восприятие цвета (все становилось зелено-желтого тона).

«Портрет Адели Блох-Бауэр», Густав Климт

Адель Блох-Бауэр была женой богатого сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра и любовницей Густава Климта. Когда муж узнал об их романе, он решил отомстить, и сделал это очень необычно. Он заказал у художника портрет своей жены и заставил его сделать сотни эскизов. Работа продлилась несколько лет, и чувства любовников быстро остыли. К слову, Адель так и не узнала, что муж был в курсе романа.

«Голубая комната», Пабло Пикассо «Голубая комната», Пабло Пикассо

Мало кто знает, что на самом деле за «Голубой комнатой» скрывается портрет мужчины. Этот факт стал известен в 2008 году, когда картина была отдана на экспертизу. Мистики никакой в этом нет, просто у Пикассо не всегда были чистые холсты, на которых можно было рисовать. Поэтому он использовал ненужные картины.

«Ночная терраса кафе», Винсент Ван Гог

«Ночная терраса кафе», Винсент Ван Гог

Многие исследователи считают, что эта картина – отсылка к «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. Дело в том, что в самом центре картины стоит официант с длинными волосами и во всем белом (что напоминает одежу Иисуса Христа), на террасе находится 12 человек, один из них стоит в дверях, как Иуда, который, как известно, покинул ужин, а за спиной официанта вырисовывается крест (из оконной рамы).

«Явления Христа народу», Александр Иванов

Для этой картины художнику позировали десятки натурщиков, но один из образов привлекает особое внимание. Видишь человека на заднем фоне в коричневом хитоне? Его Иванов писал с Николая Гоголя, с которым художник тесно общался.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», Поль Гоген

Эту картину Гогена нужно читать справа налево, она олицетворяет жизненный цикл человека от рождения до самой смерти.

«Тайная вечеря», Леонардо да Винчи

«Тайная вечеря», Леонардо да Винчи

Художник на протяжении трех лет искал натурщика для Иуды. Однажды он наткнулся на улице на пьяницу и пригласил его позировать. После того как да Винчи написал его, мужчина сказал, что уже позировал для него раньше. Оказалось, что несколько лет назад Леонардо писал с него Христа.

10 известных картин, сюжеты и символы которых сегодня интерпретируют неверно: vakin — LiveJournal


Вы все неверно поняли… Музей обмана зрения на Чечжу.

В мире много картин, которые, казалось бы, известны даже дилетантам от искусства, но при этом истолковывают эти картины совершенно неверно порой даже авторитетные искусствоведы. В этом обзоре десятка картин, в которые их создатели вложили более глубокий смысл, чем может показаться с первого (а порой даже со второго) взгляда.

1. Счастливые возможности качелей


Картина «Счастливые возможности качелей», худ. Жан Оноре Фрагонар.

Эта знаменитая картина эпохи рококо даже была показана в «Холодном сердце» Диснея. Тем не менее, Фрагонар явно вкладывал в свою работу более глубокий смысл, чем Дисней. На картине изображена молодая женщина, которую раскачивает на качелях в романтическом саду пожилой мужчина. Этот мужчина явно не подозревает о присутствии молодого любовника девушки, который наблюдает за ними из кустов.

Мало того, что молодой человек смотрит прямо под платье женщины, так еще все действо происходит на фоне розовых кустов, которые в искусстве эпохи рококо были классическим символом женской сексуальности. Кроме того, молодой любовник засунул свою шляпу в кусты. Это может показаться странным, но в то время мужская шляпа часто использовалась, чтобы скрыть эрекцию. Таким образом, шляпа в кустах — довольно вопиющий каламбур.

Еще одна подсказка — женская туфелька, которая была сброшена с ноги во время раскачивания. Уже в течение многих веков голые ноги или лодыжки ассоциируются с сексуальными желаниями. Хотя «Качели» — бесспорно красивый образ, стоит узнать его историю перед тем, как начать показывать его в детских мультфильмах.

2. Завтрак на траве


Картина «Завтрак на траве», худ. Эдуард Мане.

Женская нагота довольно часто встречалась в классическом искусстве. Но даже в то время, когда рискованные художники осмеливались рисовать женщин во всей их обнаженной красе, работа Мане выделялась среди остальных. На этом шедевре импрессионизма изображен пикник двух полностью одетых мужчин с обнаженной женщиной, смотрящей на зрителя (а на заднем плане есть еще одна полностью одетая женщина). Изображение было уникальным в этом отношении, поскольку вплоть до того момента обнаженными, как правило, изображали богинь, таких как Венера или Афродита.

Мане же нарисовал обычную женщину легкого поведения, и он стремился изображать женщин не как бессмертных небожителей, а как вполне смертных и материальных существ. Но картину ассоциировали с проблемой необузданной проституции, с которой Франция столкнулась в то время. Когда полотно было представлено жюри Парижского салона 1863 года, оно было встречено насмешками и критикой. Картину Мане отвергли, поскольку ее смысл был полностью неверно истолкован.

3. Олимпия


Картина «Олимпия», худ. Эдуард Мане.

Очень похожая на «Обед на траве», «Олимпия» Мане также изображает обнаженную проститутку, и поэтому она немедленно столкнулась с критикой и отвращением со стороны арт-сообщества. Женщина на полотне смотрит прямо на зрителя самым «бесстыдным и сексуальным образом». Критики предпочли полностью игнорировать настоящие темы, которые хотел передать Мане, рисуя реалистичные парижские сцены.

Фактически, они были настолько поглощены игнорированием намерений Мане, что почти не замечали на картине присутствия темнокожей служанки, которая, как считается в наше время, создает контраст света и темноты. Но Мане просто не мог убедить современное ему общество в своих истинных намерениях.

4. Постоянство памяти


Картина «Постоянство памяти», худ. Сальвадор Дали.

«Постоянство памяти», которую чаще называют «Тающие часы», — это сюрреалистическая картина, являющаяся самым узнаваемым полотном Дали. Ее популярность настолько велика, что эту картину показывали даже в «Симпсонах», а в последнее время ряд компаний даже начали продавать часы, дизайн которых был вдохновлен этой картиной. Но, несмотря на ее популярность, смысл работы Сальвадора Дали неверно истолковывают многие искусствоведы еще с момента ее презентации в 1932 году.

Многие считали, что мягкие, стекающие со стола карманные часы представляют собой представление о текучести и податливости концепции времени и пространства. Эта интерпретация привела к убеждению, что Дали хотел передать эйнштейновскую теорию относительности. Однако, когда его спросили, почему он решил нарисовать свои знаменитые часы, художник ответил, что он был вдохновлен изображением сыра камамбера, плавящегося на солнце.

5. Похищение дочерей Левкиппа


Картина «Похищение дочерей Левкиппа», худ. Питер Пауль Рубенс.

Следующая картина примечательна тем, что ее неверно трактовали дважды. Сначала художник Томаш Кучеровский опубликовал комикс под названием «Не тот век» на своем веб-сайте. В комиксе была изображена тучная женщина, любующаяся картиной Рубенса, беззаботной наготой и красотой двух женщин, изображенных на ней. Название, очевидно, относится к глубокому желанию этой женщины жить во времена, когда ценились более «крупные» женщины, такие как она.

Однако после появления на таких сайтах, как Twitter и Tumblr, комикс быстро удалили из-за шквала критики. Картина Рубенса, как следует из названия, безусловно, не является восхвалением крупных форм, как это показалось Кучеровскому. Фактически, на картине изображены Феба и Гилаира, дочери греческого царя Левкиппа, которые были похищены Кастором и Поллуксом, желающими взять их в жены.

Второе заблуждение относительно картины более глобальное. По понятным причинам на Западе считают, что картина называется «Изнасилование дочерей Левкиппа» (на английском она называется The Rape Of The Daughters Of Leucippus, а слово «rape» обозначает как изнасилование, так и похищение). На самом деле, нужно рассматривать латинское происхождение этого слова — «rapere» означало именно похищение.

6. Ночная терраса кафе


Картина «Ночная терраса кафе», худ. Винсент Ван Гог.

Это скорее теория, но у нее есть довольно убедительные аргументы. «Ночная терраса кафе» — одна из самых известных картин Ван Гога, и по всему миру есть миллионы ее репродукций. Тем не менее, предполагается, что полотно на самом деле является некой визуальной интерпретацией «Тайной вечери» Да Винчи. Ван Гог, сын пастора, был глубоко религиозным человеком, поэтому логично будет предположить, что он передавал в своем искусстве некоторые религиозные образы.

На картине изображен простой вид на уличное кафе, в котором сидят 12 человек, а еще выходит в дверь (от него видна только темная тень). Человек, который стоит в центре, одет в белый цвет, а остальные одеты в красный или черный цвета. Считается, что белая фигура символизирует Иисуса, а темная — Иуду. Теория была поддержана различными учеными, но правдивость ее подвергается сомнению.

7. Портрет Тео Ван Гога


Картина «Портрет Тео Ван Гога», худ. Винсент Ван Гог.

«Портрет Тео Ван Гога» — маленькая картина, изображающая бедно одетого мужчину, которая на протяжении многих лет считалась автопортретом самого Винсента ван Гога. Однако спустя 120 лет после написания картины искусствоведы во всем мире были потрясены открытием, когда оказалось, что картина не является автопортретом, а на ней нарисован брат художника Тео, который был очень похож на Винсента. Это показывает, что иногда даже профессиональные историки могут ошибаться.

8. Полуночники


Картина «Полуночники», худ. Эдвард Хоппер.

На самой известной работе Хоппера, «Полуночниках» изображены несколько одиноких фигур, сидящих в закусочной ночью. Улица возле закусочной пустынна, и от картины буквально исходит сильное чувство одиночества. Еще более усиливает это чувство изоляции, лишения свободы и беспомощности отсутствие видимого выхода из здания. Критики предполагали, что художник хотел передать чувство одиночества в большом городе. Однако, когда репортеры спросили Хоппера о том, что он подразумевал, когда писал картину, тот ответил: «Вы что, издеваетесь? Я просто нарисовал закусочную ночью».

9. Природа ковки ребенка


Иллюстрация «Природа ковки ребенка» к «Роману о розе» Гильома де Лорриса.

Об этой картине, которая была иллюстрацией к поэме XIII века Гильома де Лорриса и Жана де Мена, известно мало что. Это привело к тому, что изображение часто демонстрируется вне контекста. На картине ясно показана женщина, бьющая ребенка молотком, а в стороне лежат несколько серых, явно мертвых младенцев. Однако, как видно из названия, женщина не является убийцей ребенка. Она на самом деле является аллегорическим изображением Матери-Природы, которая «кует» своих детей.

10. Черный ирис


Картина «Черный ирис», худ. Джорджия О’Кифф.

О’Кифф, вероятно, является самым неверно истолкованным художником в этом списке, исключительно из-за реакции общественности на ее большие картины с цветами. «Черный ирис», как и все другие цветы, нарисованные О’Кифф, считались представлением женских гениталий.

Это не надуманное предположение, поскольку в истории искусства ассоциации женщин с цветами встречаются часто, но О’Кифф решительно опровергла все утверждения о том, что ее произведение было каким-то образом предназначено для передачи сексуальности. Она даже пыталась развеять слухи, увеличивая уровень детализации в своей работе, но это только добавило споров.

Бонус

Источник — kulturologia.ru

Навьюченное седло: картина со смыслом | Ника Марш

Художник сомневался в Марии: ведь его жена была прекрасна, как ангел. Каждый раз, когда ему требовалось уехать из Рима, он начинал строить догадки. Ему казалось, что Мария пользуется появившейся свободой. Но по возвращении он снова убеждался – всё это домыслы, совершенно пустые. Просто однажды он написал картину «Навьюченное седло». И мысль об этом сюжете не оставляла его.

фрагмент полотна «Навьюченное седло»

фрагмент полотна «Навьюченное седло»

В 1735 году Пьер Сюблейра дал богатую пищу для разговоров. Он сделал иллюстрацию к басне Жана де Лафонтена. Это было необычное полотно, даже по меркам восемнадцатого века. Но Сюблейра добивался как раз такого эффекта – чтобы о нём говорили, восторгались, и осуждали. Всё лучше, чем равнодушное молчание.

Басня, которая легла в основу картины, рассказывала о незадачливом художнике. Его красавица-жена вызывала такие восхищенные взгляды, что художник пошёл на хитрость. Он решил «обезопасить» доброе имя супруги. И нарисовал, прямо на ней, силуэт осла. После этого художник спокойно отправился в путешествие, которое планировал заранее. Ведь «защитная печать» была на месте! А дальше – ещё занятней:

Его сосед, влюблённый в даму,
Использовал момент. Осёл был стерт.
Что делать? Кисти взяв, он написал осла на том же месте.
Но память подвела его,
И наш осёл заполучил седло.
Где прежде не было его!
кадр из фильма «Жан де Лафонтен»

кадр из фильма «Жан де Лафонтен»

Как нетрудно догадаться, художник понял, что его провели. Придворные семнадцатого века хохотали до слёз над этой историей. Фуке осыпал баснописца золотом. Двор Людовика XIV обожал подобные шутки: написанные ярко, смешно, на злобу дня. Пришлись они по душе и следующим поколениям – в правление Людовика XV, правнука Короля-Солнце, произведения Лафонтена тоже с удовольствием читали и цитировали. Им не нужно было пояснений к картине – всё и так хорошо понятно.

На полотне Сюблейра был изображён тот самый момент, когда художник создаёт рисунок. То есть, это иллюстрация к популярной басне, только и всего? А вот и нет. Пьер черпал сюжет из собственной биографии. В тот момент он уже был знаком с Марией Фелицией Тибальди, белокурой и прекрасной… и дамой сердца другого художника, Тремольера.

Мария на полотне П.Сюблейра

Мария на полотне П.Сюблейра

Мария и сама была художницей, причём довольно популярной. Она создавала миниатюрные портреты, которые дарили друг другу. Фотографий не было, а ведь так хотелось оставить о себе память! Поэтому-то к Тибальди записывались на полгода вперёд.

Кроме того, молодая женщина работала над большими историческими полотнами, и блестяще копировала! Говорили, что Мария способна детально воспроизвести любую сложную картину после беглого осмотра. Да ещё и в стиле того художника, который её создал.

Пьер восхищался ею: красотой, грацией, талантом. Было ли это чувство взаимным? Многие считают, что да. И «Навьюченное седло» — это замаскированное признание Пьера. Дескать, он и сам мог бы нарисовать осла. С седлом или без — тут уж, как пожелаете.

фрагмент автопортрета П.Сюблейра

фрагмент автопортрета П.Сюблейра

В 1739 году Тремольер скончался, и Мария сразу вышла замуж за своего давнего поклонника, Пьера Сюблейра. А спустя три года художница удостоилась чести быть зачисленной в Академию Святого Луки в Риме. Её собственная слава ничуть не уступала славе мужа-француза.

Большую часть времени супруги проводили в Риме, где Сюблейра работал на износ. Иногда Пьеру приходилось выезжать во Флоренцию, и упаковывая вещи, он невольно вспоминал свою картину… Ведь в каждой шутке всегда есть доля правды.

Заказов было столько, что Сюблейра почти не спал и очень мало ел. Переутомление вскоре дало о себе знать: художник заболел. Марии пришлось заканчивать некоторые из его работ, а с других делать копии. А ведь у них было четверо детей…

Для поправки самочувствия в 1749 году Пьер поехал в Неаполь. А после возвращения в Рим прожил всего несколько недель. Теперь художнице пришлось самой браться за картины, в удвоенном темпе. Неожиданную поддержку оказал папа Римский – он приобрел у Марии одну работу, и заплатил в десять раз больше, чем за неё просили.

«Ужин в доме фарисея», полотно Марии Фелиции Тибальди

«Ужин в доме фарисея», полотно Марии Фелиции Тибальди

«Талантлива, но не бесподобна», — говорили про Марию. Она не создала признанных шедевров. Повторить успех «Навьюченного седла» тоже не получилось. Но для себя и детей художница зарабатывала вполне прилично, и спокойно прожила до 1770 года.

А картина Сюблейра и сейчас вызывает у зрителей яркие эмоции. Чаще всего потому, что непонятен смысл изображения – и зачем это художник орудует кисточкой? Там? Хотя всё предельно ясно объяснил баснописец Жан де Лафонтен.

#наука #история #искусство #семейные отношения #короли

Подписывайтесь на мой канал Ника Марш!

Лайки помогают развитию канала!

Картины со словами смыслом. Позитивные картинки с глубоким смыслом

Но не все теории о смысле произведений явно настолько бредовые. Некоторые умудряются быть одновременно и весьма убедительными, и совершенно умопомрачительными.

1. «Сатир, оплакивающий нимфу» на самом деле показывает жестокое убийство

Картина написана Пьеро ди Козимо в 1495 году, и на ней якобы изображена сцена из «Метаморфоз» Овидия. В этой истории Прокрида была случайно убита в лесу её мужем, охотником Цефалом, который по ошибке принял жену за дикого зверя и пронзил её копьем.

Это типичный выбор сцены для художника эпохи Возрождения, но есть одна проблема. Внимательное изучение показывает, что изображенная на картине Козимо Прокрида не могла быть убита случайно.

По словам британского профессора Майкла Баума, все признаки указывают на то, что полотно изображает зверское убийство. У Прокриды имеются глубокие рваные раны на руке, как если бы она пыталась отражать ножевые атаки. Наконец, на шее также имеется рана.

Вместо изображения сцены романа картина Козимо показывает нам последствия яростной атаки ножом. Вероятно, это не было сделано преднамеренно. Профессор Баум подозревает, что Козимо попросил местный морг одолжить ему труп, для того чтобы зарисовать жертву убийства.

2. Диего Ривера показал, что у Дж. Д. Рокфеллера-младшего был сифилис

Произведение Диего Риверы «Человек, управляющий Вселенной» — одно из заметных творений в мексиканском искусстве живописи. Первоначально фреска была написана по заказу для Рокфеллер-центра, но позже реконструирована в Мехико, после того как Нельсон Рокфеллер уничтожил фреску.

Ему не понравилось, что на ней был изображен Ленин. Восстановление изображения стало также монументальным актом мести. Фреска утверждает, что у отца Нельсона Рокфеллера был сифилис.

Одними из ключевых элементов росписи стали эпизоды последних научных открытий. Галактики, взрывающиеся звезды, множество бактерий, плавающих над головами мужчин и женщин…

После того как Нельсон Рокфеллер уничтожил оригинальную версию, Ривера нарисовал его отца, Дж. Д. Рокфеллера-младшего, в окружении бактерий — возбудителей сифилиса.

Это еще не все. Несмотря на то что Дж. Д. Рокфеллер-младший был на протяжении всей своей жизни трезвенником, Ривера нарисовал его с мартини в руке и женщинами, похожими на проституток. Для усиления эффекта он поместил Ленина на переднем плане.

3. На картине «Изабелла» мужчина скрывает свою эрекцию

Один из корифеев движения прерафаэлитов Джон Эверетт Милле, вероятно, наиболее известен сегодня картиной «Офелия». По крайней мере, так было до 2012 года, пока исследователи не обнаружили нечто неожиданное в его картине «Изабелла». На ней изображена сцена из «Декамерона» Боккаччо, и на пиршественном столе явно просматривается тень от эрегированного члена.

«Декамерон» — одна из самых эротических книг, когда-либо написанных, и картина полна ссылок на сексуальность. Вытянутая нога персонажа представляет собой фаллический символ, а кучка просыпанной соли около тени от пениса, вероятно, символизирует семя. Это выглядит непристойно, но вместе с тем совсем не как обычная порнография.

4. La Primavera выражает любовь к садоводству

Это одно из самых известных произведений Боттичелли в галерее Уффици во Флоренции. La Primavera также одна из самых загадочных картин Боттичелли. Из-за того, что на ней изображена группа женщин, которые ходят по небу, как по лугу, эксперты по-прежнему утверждают, что у картины есть аллегорический смысл.

Но есть одна теория, выделяющаяся из всех остальных своей доказательностью и странностью, которая утверждает, что картина — о садоводстве.

Эта версия выглядит правдоподобной из-за умопомрачительной скрупулезности, с какой автор выписывает каждое растение. По официальным оценкам, на картине изображено, по крайней мере, 500 тщательно отрисованных различных растений почти 200 различных видов.

Некоторые полагают, что это были все растения, которые произрастали в 15-м веке во Флоренции и цвели с марта по май. Другие утверждают, что эти растения Боттичелли придумал сам, специально для этой картины.

5. «Урок музыки» наполнен сексуальностью

Созданный Йоханнесом Вермеером в 1660-е годы «Урок музыки» считается одной из величайших картин, изображавших голландскую жизнь 17-го века. Молодую девушку учит играть на клавесине красивый репетитор.

Это фотореалистичное изображение типичного дня высшего общества во времена Вермеера. По крайней мере, это стандартное объяснение. Некоторые же считают, что картина пронизана сексом и скрытой страстью.

Согласно этой теории картина наполнена маленькими ключиками к пониманию сексуальной напряженности между девушкой и ее наставником. Неудивительно, что образ девушки связан с девственностью, но зеркало над клавесином показывает, что девушка на самом деле во время игры смотрит на учителя.

Кувшин для вина — афродизиак, в то время как инструмент на полу интерпретируется как огромный фаллический символ. Если рассматривать картину с такой точки зрения, то возможно даже предположить, что зритель — это вуайерист.

И это не только в случае с этой картиной. Некоторые искусствоведы утверждают, что присутствие музыки на картинах Вермеера всегда символизирует сексуальность, что делает его творчество очень странным.

6. «Ночная терраса кафе» напоминает о «Тайной вечере»

Нарисованная в 1888 году «Ночная терраса кафе» — одна из наиболее важных работ Ван Гога, полностью раскрывающих особый стиль художника. Она также одна из самых его любимых. Но некоторые утверждают, что в ней имеется гораздо более глубокий подтекст. Согласно недавней теории «Ночная терраса кафе» отсылает нас к «Тайной вечере».

С раннего возраста Ван Гог был чрезвычайно религиозным. Его отец был протестантским священником, и влиятельные арткритики утверждают, что картины художника наполнены христианской образностью.

В случае с «Ночной террасой кафе» эта образность проявляется в виде Иисуса, пришедшего поесть со своими учениками. Если внимательно посмотреть на обедающих, то можно увидеть, что их двенадцать и они сидят вокруг центральной фигуры с длинными волосами.

Что характерно, есть даже ряд крестов, спрятанных на картинке, в том числе один непосредственно над фигурой Христа. Есть и другие доказательства в поддержку этой теории.

Когда Ван Гог писал брату о живописи, он утверждал, что мир испытывает «огромную потребность» в религии. Он был также глубоко увлечен Рембрандтом и выражал желание оживить свой стиль тонкой христианской символикой. «Ночная терраса кафе» вполне может служить доказательством того, что, в конечном счете, ему это удалось.

7. «Аллегория с Венерой и Амуром» предупреждает о сифилисе

Картина, которая показывает Венеру и Амура, собирающихся заняться сексом на фоне лысого мужчины, всегда тревожит воображение. Даже по меркам своего времени картина Аньоло Бронзино «Аллегория с Венерой и Амуром» темновата.

Несмотря на восторженные отзывы о произведении как об эротический картине «особой красоты», есть много доказательств, что это действительно предупреждение о сифилисе. Об этом свидетельствует кричащая фигура в левой части картины.

Хотя в классическом описании картины сказано, что это метафора ревности или отчаяния, внимательное изучение показывает, что ей на самом деле очень плохо. Пальцы фигуры опухли, как у больных сифилисом, на них не хватает ногтей, а волосы имеют признаки сифилитической аллопеции. Беззубые дёсны предполагают отравление ртутью, которой пытались лечить сифилис в Италии эпохи Возрождения.

У одного из персонажей в ногу впился шип розы, но он этого не замечает. Такое отсутствие ощущений будет непосредственным результатом сифилитической миелопатии. Иными словами, на картине изображены страдания, которые ожидают в будущем тех, кто пойдет на поводу у страстей.

8. El Autobus рассказывает об ужасной катастрофе

Картина мексиканской художницы Фриды Кало El Autobus, написанная в 1929 году, показывает жизнь мексиканского сообщества. Домохозяйка, рабочий, мать-индианка и богатый бизнесмен-гринго, несмотря на социальные различия, ожидают автобус рядом с девушкой, которая, вероятно, означает саму Фриду. Все персонажи этой картины не знают, что их ожидает ужасная авария.

В 1925 году Кало ехала на автобусе, который врезался в трамвай. Столкновение было настолько сильным, что тело Кало насквозь проткнуло металлическим поручнем.

Ее более поздние работы часто ссылаются на эту аварию, подразумевая, что то, что она выжила в катастрофе, чудо. El Autobus также не является исключением. Есть предположение, что рабочий на картине — как раз тот человек, который спас жизнь Кало, вытащив сломанный поручень из её тела.

9. Картины голландской школы живописи — картины в картинах

Голландский золотой век живописи уступает, пожалуй, только итальянскому Возрождению. Как и в другие эпохи, в это время также были свои собственные причуды в моде и в живописи, одной из которых стало то, что художники рисовали «картины в картинах».

Эти «картины в картинах» рисовали не только Вермеер и его товарищи по кисти. Некоторые считают, что такие картины содержат специальный символьный код. Одним из примеров такого стиля является картина «Тапочки» Самуэля ван Хугстратена.

На первый взгляд, на картине показан пустой зал с двумя парами тапочек, которые лежат посреди него. На стене зала висит картина Каспара Нетшера «Отец отчитывает свою дочь».

На первый взгляд, ничего необычного. Но современным ценителям голландского искусства известно, что картина Нетшера была нарисована в борделе. По-видимому, эти тапочки принадлежат мужчине и женщине, но так как зал пуст — возможно, они ушли заниматься сексом.

В других случаях код был тоньше. На картинах «Мужчина, пишущий письмо» и «Женщина, читающая письмо» (на фото) Габриэль Метсю изобразил молодого человека, пишущего письмо своей возлюбленной, и его прочтение.

На второй картине изображение корабля в бушующем море символизирует бурную природу их дальнейшей связи. На картине «Любовное письмо» Вермеера корабль под зловещими тучами внушает мысль о возможных плохих новостях.

Вы можете найти сотни примеров таких голландских картин «внутри картины», которые тонко изменяют смысл основного изображения.

10. Работы Л. С. Лоури полны скрытых страданий

Этот художник середины 20-го века известен картинами, изображающими северо-запад Англии. Л. Лоури часто рисовал огромные городские сцены с толпами «аферистов». Хотя он был популярен, мир искусства в течение длительного времени не признавал его картины, считая их тривиальными. На самом деле картины Лоури наполнены скрытыми человеческими страданиями.

На полотне 1926 года «Несчастный случай» нарисована толпа людей, которые собрались возле озера и смотрят на него. На самом деле художника вдохновила сцена самоубийства в этом месте, а толпа собралась поглазеть на труп утопленника.

На других картинах Лоури изображены персонажи, смотрящие кулачные бои, несчастные, которых выселяют из дома, или просто люди, глядящие из окон в подавленном настроении.

Ни в одной картине трагедия никогда не выпячивается. Все остальные люди продолжают жить своей повседневной жизнью, не подозревая о страданиях своих ближних. В этом мире мы совершенно одни, и наша боль ничего не значит для других. И это, наверное, самое страшное скрытое послание.

Какое сочетание цвета глаз и волос самое редкое в мире?

Что такое «ловушка нищеты»?

«Ловушкой нищеты» социологи называют ситуацию, когда дети, растущие в бедности, не могут по этой причине получить достойное образование, высокооплачиваемую профессию и достойную пенсию и вынуждены всю жизнь оставаться на социальном дне. Согласно последним данным Росстата, в России доля детей из малоимущих семей составляет 26% от общего числа: все они находятся под угрозой попадания в «ловушку бедности».

Какие русские фамилии считаются оберегами?

Неблагозвучные фамилии, характеризующие человека с негативной или смешной стороны, такие как Дураков, Злобин, Безобразов, Нежданов, Невзоров и т. п., являются фамилиями-оберегами. Такие фамилии на Руси было принято давать детям, чтобы обмануть злых духов. Предполагалось также, что фамилия защитит от «сглаза» и будет иметь противоположный эффект: Безобразов вырастет красавцем, Дураков — умницей и т. п.

Вышибалы на экспорт

В Индии есть деревня, «экспортирующая» мужчин-вышибал для нужд баров страны. Все мальчики этой деревни тренируются по четыре часа в день и едят высокобелковую пищу для роста мышечной массы. По достижении совершеннолетия мужчины покидают деревню и устраиваются на работу в ночные клубы и бары.

Ветряные яйца

Изредка куры несут яйца без скорлупы вообще либо с мягкой скорлупой. Очевидно, это происходит по причине недостатка кальция в организме курицы. В Англии такие яйца в народе называют «ветряными», так как, согласно поверью, курица, снёсшая подобное яйцо, была оплодотворена не петухом, а ветром. Узнайте самые важные факты о яйцах, которые Росконтроль рекомендует знать каждому.

Жизнь очень сложная и странная штука. Сегодня ты можешь радоваться этому дню, а завтра плакать из-за случившегося вчера. Но не смотря ни на что, всегда нужно находить в себе силы и двигаться только вперед! Сегодня мы хотим показать своим посетителям мотивирующие картинки со смыслом: о жизни.

Картинки о жизни со смыслом…

Независимо от возраста, от нашего статуса, от наших убеждений, человек должен прислушиваться к советам, учиться на чужих ошибках и грамотно планировать свое будущее опираясь на полученный опыт. Картинки со смыслом о жизни, которые мы для вас подобрали, покажут и расскажут о некоторых моментах бытия, помогут задуматься и возможно что-то переосмыслить.

Почему-то большинство из нас уверенно, что не совершив тех или иных ошибок, ты не поймешь всю суть происходящего и для того, чтобы проникнуться ситуацией, в ней нужно побывать. Но ведь многие великие писатели, которые никогда не видели войны, писали пронзительные произведения на эту тему, художники рисуют поразительные картины, при этом никогда не встречались с изображенным в своей жизни и т.д. Поэтому не стоит испытывать иной раз судьбу, а лучше воспользоваться некоторыми советами и подсказками, но при этом думать своей головой.

Читайте также: Нездоровое «Здоровье» с Еленой Малышевой

Сейчас мы покажем вам интересные и поучительные картинки со смыслом, которые просто расскажут о некоторых моментах из жизни, возможно кто-то увидит что-то знакомое, с чем сталкивался в жизни, для кого-то эти изображения с надписями станут хорошим стимулом, а для третьих просто интересным материалом.

Со смыслом:

Знаете ли вы примеры мрачных картин? Я могу назвать парочку таких полотен, которые лично у меня вызывали гнетущее чувство. Но знаем ли мы, глядя на картину, о чем думал автор этого полотна, когда создавал его?

Следующие 5 картин известных художников, на которые предлагает вам взглянуть Фабиоса , на первый взгляд не отображают ничего пугающего. Но если присмотреться или почитать интересные факты о них, становится как-то не по себе.

Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу»

Что на берегу делает такое огромное количество народа? Казалось бы, простой морской пейзаж.

«Сцена на берегу» / Хендрик ван Антониссен (1630-е)

На самом деле, после рентгеновского исследования картины, эксперты установили, что эта картина изображала любопытство людей к выброшенному на берег мертвому киту. Однако автор посчитал, что никто не захочет видеть на своей стене тушу мертвого животного. И перерисовал полотно…

«Ангел», Жан-Франсуа Милле

Крестьяне склонились над корзиной с картошкой. Трудные времена, малый урожай, скорбь на их лицах оправдана.

«Ангел» / Жан-Франсуа Милле (1857-1859)

Какой же ужас меня охватил, когда я узнала, что, согласно исследованиям и рентгеновскому осмотру, изначально на месте корзины был гроб с новорожденным? То есть, согласно задумке автора, первоначально это была картина, на которой родители хоронят своего ребенка…

«Подготовка невесты»

Согласно общему мнению, на этой неоконченной картине изображена сцена подготовки невесты к свадьбе.

«Одевание невесты» / Гюстав Курбе (1855)

Однако рентген 1960 года показал, что здесь и правда изображен процесс, как одевают девушку в наряд невесты. Только готовят ее не к свадьбе, а к похоронам.

Пабло Пикассо «Старый гитарист»

Многие знают работу этого известного художника, на которой изображен гитарист. Но не многим известно, что на самом деле автор полотна испытывал тяжелые времена, и когда его картины не продавались, он рисовал на наиболее неудачных, по его мнению, новые.

Рентген показал, что под «Старым гитаристом» скрывается мать с ребенком в сельской местности среди домашних животных.

Жан-Огюст-Доминик Энгр «Портрет Жак-Марка де Монбретон де Норвена»

Времена меняются, так же как и идеалы, общественные устои и порядки. Этот художник нарисовал портрет начальника полиции Рима после того, как Наполеон завоевал город. На заднем плане, согласно исследованиям, стоял гипсовый бюст сына Наполеона.

«Месье де Норвин» / Жан Огюст Доминик Энгр (1811-1812)

Однако после поражения Наполеона художник предпочел скрыть этот элемент, так как он мог быть небезопасен для жизни автора.

Удивительно, правда? Эти интересные факты лишний раз подтверждают, что перед тем, как приобрести вещь, стоит узнать ее историю и смысл. Быть может, ваза на вашем столе – это урна для праха? А на картине скрыты чьи-то похороны? Зачем нести лишний негатив в свой дом?

Смысл некоторых самых известных картин

Поговорка, что картина стоит тысячи слов, очень применима к известным картинам и их критической деконструкции. Художник может захотеть изобразить разные значения для разных людей. Вот почему картины намного сложнее, чем кажутся, потому что разные зрители имеют разные мнения. Иногда художникам гораздо легче рисовать, чтобы выразить свои эмоции, и, как справедливо сказал Эдвард Хоппер: «Если бы я мог выразить это словами, не было бы смысла рисовать». Многие произведения искусства также послужили источником вдохновения для написания романов на основе картин, по которым позже также были сняты фильмы, такие как «Код да Винчи». Ниже вы найдете список некоторых из самых известных картин, а также истории, стоящие за ними.

  1. Девушка с жемчужной сережкой

    Эта картина была написана художником Иоганном Вермеером в 1665 году. Ее взгляд произвел впечатление на любителей искусства с тех пор, как картина появилась в конце 19 века. Однако все это остается загадкой, поскольку мы мало что знаем о женщине, позировавшей для этого портрета.Единственным предположением было то, что женщина могла быть дочерью или любовницей Вермеера. Тем не менее, изображение подчеркивает важность не реального человека на картине, а носимого тюрбана, рассматриваемого как идеализированное изображение в экзотической одежде.

  1. Христос во время бури на Галилейском море

Эта картина была написана художником Рембрандтом ван Рейном в 1633 году. Позже она была приобретена энтузиастом искусства Изабеллой Стюарт Гарденер в 1898 году.Это произведение искусства было выставлено в Музее изящных искусств в Бостоне, прежде чем оно было украдено вместе с другими важными произведениями искусства на сумму около полумиллиарда в 1990 году.

  1. Шулеры художник Микеланджело Меризи да Караваджо около 1594 года. Картина стала поворотным моментом в карьере Караваджо как его первое самостоятельное произведение. The Cardsharps дает представление о культуре азартных игр тех дней, когда мальчик играет в карты с другим мальчиком, у которого за поясом запрятано несколько дополнительных карт.В настоящее время этот сценарий можно сравнить с современным миром азартных игр, который в основном состоит из онлайн-казино, как это можно увидеть на MrCasinova.com.

    1. Автопортрет с перевязанным ухом

    Эта картина была нарисована художником Винсентом Ван Гогом в 1889 году. Этот рисунок хорошо известен тем, что он отрезал себе собственное ухо. Когда Ван Гог услышал известие о предстоящем отъезде своих друзей, он отрезал себе ухо, завернул его в газету и передал на хранение местной проститутке.На этой картине изображен сам художник в мастерской с обернутой тканью правой стороной головы. Известно, что эта картина противоречива, поскольку известно, что на самом деле ему удалили левое ухо. Однако известно, что это его перевернутое отражение, воспринимаемое самим художником, смотрящим в зеркало.

    1. Крик

    Эта картина была написана художником Эдвардом Мунк в 1893 году. Этот шедевр широко интерпретируется как ответ на давление современной жизни.Первоначально эта картина имела совсем другое назначение и называлась «Вопль природы». Эта картина была украдена в 1994 году из Национальной галереи Осло и возвращена через несколько месяцев.

    Категории

    Теги

    Автор

    Гастон Ла-Гаф

    Гастон — бельгийский писатель, родившийся в 1975 году. Он пишет на различные темы, такие как здоровье, мода, технологии, КБР и искусство для различных изданий, включая Spirou. Он базируется в Брюсселе.

    10 великих произведений искусства с невероятным тайным смыслом

    С тех пор, как Дэн Браун написал «Код да Винчи» , Интернет наводнили люди, пытающиеся разгадать «тайны» великого искусства.От инопланетян на картинах эпохи Возрождения до бесчисленных заговоров с участием Моны Лизы , не осталось ни одного глупого камня на камне.

    Но не все теории о значении произведения настолько откровенно безумны. Некоторым удается быть как совершенно убедительными, так и совершенно умопомрачительными.

    10

    Сатир, оплакивающий нимфу На самом деле показывает жестокое убийство

    Написан Пьеро ди Козимо в 1495 году, Сатир, оплакивающий нимфу предположительно изображает сцену из Метаморфоз Овидия .В этой истории Прокрида случайно убита в лесу, когда ее муж-охотник Кефал принимает ее за дикого зверя и пронзает ее копьем. Это типичный выбор сцены для художника эпохи Возрождения, но с одной проблемой. Тщательное изучение доказывает, что Прокрида Козимо никак не могла быть убита случайно.

    По словам британского профессора Майкла Баума, все признаки указывают на сцену жестокого убийства. У Прокриды глубокие порезы на руках, как будто кто-то пытается отразить нападение с ножом.Ее левая рука также согнута назад в положении, известном как «наконечник официанта», которое обычно встречается у жертв убийств, у которых был перерезан шейный канатик в точках C3 и C4. Наконец, есть рана на шее, соответствующая положению C3/C4. На картине Козимо изображены не любовные сцены, а последствия яростной атаки с ножом.

    Вероятно, это было сделано непреднамеренно. Профессор Баум подозревает, что Козимо попросил местный морг одолжить ему труп для картины и случайно получил жертву убийства.

    9Диего Ривера подразумевает, что у Дж. Д. Рокфеллера-младшего был сифилис

    «Человек , Контролер Вселенной » Диего Риверы — одна из самых больших картин мексиканского искусства — в прямом и переносном смысле. Первоначально заказанный для Рокфеллер-центра, но реконструированный в Мехико после того, как Нельсон Рокфеллер не согласился с изображением Ленина и уничтожил его, это одно из знаковых произведений 20-го века. Это также монументальный акт мести. На фреске утверждается, что у отца Нельсона Рокфеллера был сифилис.

    Одним из ключевых элементов фрески является воссоздание недавних научных открытий. Галактики, взрывающиеся солнца и крупные планы бактерий роятся в его центральном кресте, паря над головами мужчин и женщин. После того, как Нельсон Рокфеллер сорвал свою первоначальную версию, Ривера вернулся и нарисовал своего отца, Дж. Д. Рокфеллера-младшего, под одним из этих крупных планов бактерий. Бактерии, которые он выбрал, оказались сифилисными.

    Это было не все, что он сделал. Несмотря на то, что Дж. Д. Рокфеллер мл.будучи пожизненным трезвенником, Ривера нарисовал его с мартини и женщиной, которая может быть проституткой. Для большего эффекта он поставил Ленина на видное место.

    8

    Isabella показывает мужчину, скрывающего свою эрекцию

    Один из корифеев движения прерафаэлитов, Джон Эверетт Милле, вероятно, наиболее известен сегодня благодаря своей Ophelia . По крайней мере, так было до 2012 года, когда исследователи обнаружили нечто неожиданное, скрывающееся в его ранней картине Isabella .В нем есть множество персонажей из Decameron Боккаччо, сидящих за столом на пиру, а также то, что безошибочно выглядит как тень эрекции.

    Персонаж на переднем плане слева от картины задирает одну ногу и использует щипцов для орехов. Если вы присмотритесь, то увидите, что тень, отбрасываемая Щелкунчиком, идеально совпадает с его промежностью, из-за чего он выглядит чрезвычайно увлеченным блюдом. И это далеко не очередное доказательство того, что наши умы безнадежно застряли в канаве, это почти наверняка было преднамеренным.

    «Декамерон » — одна из самых эротических книг, когда-либо написанных, и картина полна отсылок к сексуальности. Вытянутая нога персонажа должна быть фаллической, а кучка соли, пролитая на теневой пенис, вероятно, символизирует сперму. Это настолько грязно, насколько это возможно без простого рисования порно.

    7

    La Primavera — любовное письмо к садоводству

    Одна из самых известных картин в флорентийской галерее Уффици (что о чем-то говорит), La Primavera Боттичелли также является одной из самых загадочных.С изображением группы женщин на небесном лугу эксперты до сих пор спорят о его аллегорическом значении. Но есть одна теория, которая выделяется среди всех остальных с точки зрения очевидности и странности — некоторые утверждают, что все дело в садоводстве.

    Аргументация исходит из умопомрачительного внимания Боттичелли к деталям, вложенным в растения на его воображаемом лугу. По официальным оценкам, на выставке представлено не менее 500 индивидуально идентифицируемых растений, включающих около 200 различных видов.Некоторые предположили, что они представляют собой все растения, произраставшие во Флоренции 15-го века и цветущие в период с марта по май, в то время как другие утверждали, что они включают фантастические растения, которые Боттичелли мог создать специально для картины.

    При всем этом внимании к цветам некоторые поклонники едва замечают человеческие фигуры, стоящие выше. Говорят даже, что картина представляет «не столько высокую культуру, сколько садоводство».

    6

    Урок музыки чертовски странный

    Написано Иоганном Вермеером в 1660-х годах. Урок музыки считается одним из величайших портретов голландской жизни 17-го века.Показывая молодую девушку, которую ее красивый наставник учит играть на клавесине, называемом девственницей, это фотореалистичное изображение типичного дня высшего общества в мире Вермеера. По крайней мере, это стандартное объяснение. Другая точка зрения состоит в том, что все это связано с сексом и скрытой похотью.

    В соответствии с этой теорией, картина наполнена небольшими намеками на грубое сексуальное напряжение между девушкой и ее наставником. Неудивительно, что девственность ассоциируется с девственностью, в то время как зеркало над ним показывает, что девушка на самом деле смотрит на мужчину во время игры, отвлекаясь на его «мужское присутствие».Позади них кувшин с вином должен означать, что имеет место эффект афродизиака, а инструмент на полу служит огромным фаллическим символом. Угол, с которого мы смотрим на картину, может даже предположить, что зритель — вуайерист.

    Не только эта картина. Некоторые искусствоведы утверждают, что присутствие музыки у Вермеера всегда символизирует сексуальность, что делает его творчество глубоко извращенным.

    5

    Терраса Кафе Ночью О Тайной Вечере

    Написано в 1888 году. Ночная терраса кафе — одна из самых важных работ Ван Гога.Это также один из его самых любимых фильмов, в котором классический Ван Гог представляет обычную сцену. Но другая школа мысли утверждает, что здесь есть нечто гораздо более глубокое. Согласно недавней теории, Cafe Terrace At Night действительно о Тайной вечере.

    С раннего возраста Ван Гог был чрезвычайно религиозен. Его отец был протестантским священником, и влиятельные искусствоведы утверждали, что его картины пронизаны христианскими образами. В случае с Cafe Terrace At Night этот образ представлен в виде Иисуса, сидящего за столом со своими учениками.Если вы внимательно посмотрите на посетителей, то увидите, что их 12, они сидят вокруг центральной фигуры с длинными волосами. Что характерно, на картине даже спрятано несколько крестов, в том числе один прямо над фигурой Христа.

    Существуют современные свидетельства, подтверждающие это утверждение. Когда Ван Гог написал своему брату о картине, он заявил, что мир испытывает «острую потребность» в религии. Он также был глубоко увлечен Рембрандтом и выразил желание возродить свой стиль тонкого христианского символизма. Терраса Кафе Ночью вполне может быть доказательством того, что он в конечном счете преуспел.

    4

    Аллегория с Венерой и Амуром о сифилисе

    Картина, на которой Венера и Амур занимаются сексом, а лысый парень наблюдает, а мужчина кричит на заднем плане, всегда вызывала беспокойство. Однако даже по меркам предмета «Аллегория с Венерой и Купидоном» Аньоло Бронзино мрачна. Несмотря на то, что его описывают как эротическое изображение «исключительной красоты», есть много свидетельств того, что это действительно предупреждение о сифилисе.

    В центре этой теории находится кричащая фигура в левом нижнем углу картины. Хотя классически говорят, что они символизируют ревность или отчаяние, при ближайшем рассмотрении видно, что они на самом деле очень больны. Их пальцы опухли точно так же, как и у больного сифилисом, отсутствует ноготь, а волосы имеют признаки сифилитической алопеции. Их беззубые десны даже наводят на мысль об отравлении ртутью, а ртуть в Италии эпохи Возрождения была наиболее близка к лечению венерических заболеваний.

    Становится темнее.Ребенок, осыпающий Венеру и Купидона цветами, кажется, сам того не заметив, проткнул ногу шипом розы. Такое отсутствие чувствительности было бы прямым следствием сифилитической миелопатии. Другими словами, кажется, что на картине влюбленные изображены в окружении страданий, вызванных сифилисом; видение того, что их ждет, если они увлекутся страстью.

    3

    El Autobus об ужасной аварии

    Нарисованный легендарной мексиканской художницей Фридой Кало в 1929 году, El Autobus известен тем, что показывает срез мексиканского общества, живущего бок о бок.Домохозяйка, рабочий, индейская мать и богатый гринго-бизнесмен ждут автобуса вместе с девушкой, которая, вероятно, должна быть самой Фридой. Если это так, то картина имеет гораздо более мрачный подтекст. Все его персонажи вот-вот попадут в ужасную аварию.

    В 1925 году Кало ехала в автобусе, который врезался головой в троллейбус. Авария была настолько серьезной, что Кало была насажена на металлические перила, оставив ее в агонии на всю оставшуюся жизнь. В ее более поздних работах часто упоминается авария, подразумевая, что то, что она вообще выжила, было чудом.И El Autobus не исключение. Было высказано предположение, что рабочий должен быть человеком, который спас жизнь Кало, потянув за поручень из ее сломанного тела, а это означает, что картина установлена ​​​​незадолго до того, как они сели в автобус. Герои вовсе не возвращаются домой, а направляются прямо на жестокую встречу с судьбой.

    2Картины голландской школы в картинах

    Голландский Золотой век живописи уступает по величине только итальянскому Возрождению.Как и у других эпох, у нее были свои маленькие причуды стиля, например, художники включали другие картины на задний план своих картин. Эти «картины в картинах» были не только хвастовством Вермеера и его приятелей. Они содержали специальный символический код, точно указывающий, как читать каждое изображение.

    Возьми Тапочки Сэмюэля ван Хугстратена. На первый взгляд картина изображает пустой зал с двумя лежащими в нем тапочками, а на заднем плане висит копия «Отец, наставляющий свою дочь» Каспара Нетшера.Это кажется почти скучным. Но современные голландские зрители знали бы, что действие картины Нетшера происходит в борделе. В сочетании с двумя тапочками, которые принадлежали как мужчине, так и женщине, можно было сделать вывод, что зал был пуст, потому что его обитатели были заняты сексом.

    В других случаях код был тоньше. Мужчина пишет письмо и Женщина читает письмо (на фото выше) Габриэля Метсу показывает мужчину, который пишет письмо своей возлюбленной, а она читает его.На второй картине на заднем плане виден рисунок корабля в бурном море, символизирующий бурный характер их отношений на расстоянии. В «Любовное письмо » Вермеера картина корабля под зловещими облаками показывает, что могут приближаться плохие новости.

    Поищите, и вы найдете сотни примеров этих голландских «картин внутри картин», каждая из которых слегка меняет смысл более крупного изображения.

    1л.с. Работа Лоури полна скрытых страданий

    Художник середины 20-го века, известный своими изображениями северо-западной Англии, Л.С. Лоури прославился тем, что рисовал обширные городские пейзажи с толпами «спичечных человечков». Хотя он был популярен, мир искусства долгое время считал его картины тривиальными. Они не могли ошибаться больше. Подобно садистскому Где Уолдо , картины Лоури наполнены скрытыми вспышками человеческих страданий.

    На его картине 1926 года « Несчастный случай » (на фото выше) толпа людей собирается возле озера, глядя на что-то, спрятанное среди них. Хотя на картине это не слишком откровенно, сцена была вдохновлена ​​местным самоубийством, и группа должна смотреть на залитый водой труп.В его работе 1935 года « Лихорадочный фургон » изображена группа пешеходов, глазеющих на фургон, забирающий пациента. В то время дифтерия и скарлатина были широко распространены в Манчестере и часто приводили к летальному исходу. Невысказанное послание состоит в том, что невидимый страдалец на картине Лоури почти наверняка умрет.

    На других картинах Лоури изображены люди, вступающие в драки, выселенные или просто смотрящие из своих окон в полной изоляции. В каждом случае трагедия никогда не бывает более чем фоновым событием, почти скрытым в картине.Все остальные люди из спичек просто продолжают жить своей повседневной жизнью, не подозревая или не заботясь о страданиях среди них. Сообщение в том, что мы совершенно одиноки, и наша боль ничего не значит. Это, наверное, самое страшное скрытое сообщение из всех.

    Моррис М.

    Моррис М. — официальный новостной агент Listverse, копающийся в самых глубинах СМИ, чтобы вам не приходилось этого делать. Он избегает Facebook и Twitter, как чумы.

    Символизм — Важные картины | TheArtStory

    1882

    Глаз, подобный странному воздушному шару, устремляется в бесконечность

    Художник: Одилон Редон

    Хотя Эдгар Аллан По умер 33 года назад во время литографии Редона, а Шарль Бодлер и Стефан Малларме переводили его произведения между 1852 и 1872 годами это не иллюстрированное повествование о творчестве По; вместо этого он параллелен ему в своем воспроизведении мрачного мира писателя.Единый глаз — всевидящее око Бога — это старый символ, но здесь он преображен. Крупный масштаб глаза — символ духа, поднимающегося из мертвой материи болота. Это физический орган, который смотрит вверх, к божественному, забирая с собой мертвый череп. Аура света, окружающая основное изображение, помогает выразить идею сверхъестественного, как и туманное пространство. Работа вызывает ощущение тайны в мире грез. Однако работы Редона не следует путать с сюрреализмом, ибо они призваны создать связную конкретную идею — голову как источник воображения и дух, обитающий в материи.

    Кроме того, работы Редона отличаются от сюрреализма тем, что видение можно построить. Редон создает неземные, жуткие видения, но по сути они реалистичны. Как писал сам художник, «я приближался к невероятному посредством невероятного и мог придать визуальную логику тем воображаемым элементам, которые я воспринимал». Редон был больше, чем некоторые символисты, большим модернистом. Хотя он и был символистом, он также интересовался научным материализмом того времени — работами Чарльза Дарвина об эволюции, изучением зоологических форм и, как видно из этой работы, технологией воздушных шаров, которые были популярны в то время. время.Его работа была проявлением его собственного личного мира, выраженного в личных символах — таким образом, более открытых для интерпретации — и позволявших зрителю понять, какие скрытые реальности скрыты в формах.

    Литография — Музей современного искусства, Нью-Йорк

    150 известных картин, биографий и цитат Пикассо


    Пабло Пикассо , вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, которые произошли в этот период.До 50 лет испанский художник стал самым известным имя в современном искусстве, с самым отчетливым стилем и взглядом на художественное творчество. До Пикассо не было других художников, которые оказали бы такое влияние на мир искусства или имели столько поклонников и критиков, как он.

    Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году и вырос там, прежде чем провести большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции. За долгий период своей карьеры он создал более 20 000 картины, рисунки, скульптуры, керамика и другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации.Он всемирно известен как один из самых влиятельных и знаменитых художников двадцатого века.

    Способность Пикассо создавать работы в удивительном диапазоне стилей снискала ему большое уважение еще при жизни. После его смерти в 1973 году его ценность как художника и источник вдохновения для других художников только вырос. Ему, без сомнения, суждено навсегда вписаться в ткань человечества как одному из величайших художников всех времен.

    Как художник и новатор, он вместе с Жоржем Браком стал одним из основателей кубистского движения.Кубизм был авангардным направлением в искусстве, навсегда изменившим облик европейской живописи. и скульптуры, одновременно затрагивая современную архитектуру, музыку и литературу. Сюжеты и объекты в кубизме разбиваются на части и перестраиваются в абстрактную форму. В течение периода Примерно с 1910-1920 годов, когда Пикассо и Брак закладывали основу кубизма во Франции, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновило такие ответвления, как стили футуризма, дадаизма и Конструктивизм в других странах.

    Пикассо также приписывают изобретение искусственной скульптуры и соавтора стиля искусства коллажа. Он также считается одним из трех художников двадцатого века, которым приписывают определение элементов. пластических искусств. Эта революционная форма искусства привела общество к социальным достижениям в области живописи, скульптуры, гравюры и керамики за счет физического манипулирования материалами, которые ранее не подвергались вырезанию или формованию. Эти материалы были не просто пластиком, это были вещи, которые можно было каким-то образом формовать, обычно в трех измерениях.Художники использовали глину, гипс, драгоценные металлы и дерево для создания революционных скульптур. произведения искусства, которых мир еще не видел.

    Каждый акт созидания есть прежде всего акт разрушения.» — Пабло Пикассо

    Молодость Пикассо

    Пикассо родился в Малаге, Испания, в семье дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Его имя в крещении намного длиннее имени Пабло Пикассо, и по традиционному андалузскому обычаю в честь нескольких святых и родные.Его отец был художником и профессором искусства, и с раннего возраста его впечатлил рисунок сына. Его мать однажды заявила, что его первыми словами были попросить карандаш. В возрасте семь Пикассо начинает получать формальное обучение у своего отца. Из-за своего традиционного академического образования Руис считал, что обучение состоит из копирования шедевров и рисования человеческих форм с живых существ. модели и гипсовые слепки.

    В 1891 году, когда ему было десять лет, семья переехала в Ла-Корунья, где Школа изящных искусств наняла Руиса профессором.Они провели там четыре года, где Руиз почувствовал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет. и, как сообщается, пообещал бросить живопись. Хотя картины Руиса, кажется, все еще были созданы спустя годы, отец Пикассо, безусловно, чувствовал себя униженным природными навыками и техникой своего сына.

    Пикассо и его семья были в ужасе, когда его семилетняя сестра умерла от дифтерии в 1895 году. Они переехали в Барселону, и Руис начал работать в ее Школе изящных искусств. Он убедил тамошних чиновников позволил своему сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс, и Пикассо был принят в возрасте всего 13 лет.В возрасте 16 лет его отправили в передовую художественную школу Испании в Мадриде, Королевскую академию Сан-Фернандо. Пикассо не нравились формальные инструкции, и вскоре после прибытия он решил прекратить посещать занятия. Он проводил свои дни в мадридском Прадо, где были выставлены такие картины, как Франсиско Гойя и Эль Греко.

    Объем работ, созданных Пикассо на протяжении всей его жизни, огромен и охватывает период с раннего детства до самой смерти, создавая более полный отчет о его развитии, чем, возможно, любой другой художник.При изучении записей о его ранних работах говорится, что произошел сдвиг, когда детское качество его рисунков исчезло, что стало официальным началом его карьеры. Эта дата говорят, что это был 1894 год, когда Пикассо было всего 13 лет. В возрасте 14 лет он написал портрет тети Пепы, поразительное изображение, которое было названо одним из лучших портретов. в истории Испании. А в 16 лет Пикассо создал свою отмеченную наградами картину «Наука и благотворительность».

    Его техника реализма, столь укоренившаяся благодаря его отцу и его детским занятиям, развилась вместе с его знакомством с символистскими влияниями.Это привело Пикассо к разработке собственного взгляда на модернизм, а затем к первая поездка в Париж, Франция. Поэт Макс Жакоб, друг-парижанин, учил Пикассо французскому языку. Они делили квартиру, где испытали истинное значение того, что значит быть «голодающим художником». Они были в холоде и нищете, сжигая свою работу, чтобы согреть квартиру.

    Пикассо преимущественно провел бы свою взрослую трудовую жизнь во Франции. Его работы были примерно разделены на периоды времени, в течение которых он полностью развивал сложные темы и чувства, чтобы создать объединяющую картину. план работ.

    Голубой период (1901-1904)

    Мрачный период, в течение которого Пикассо как лично испытал бедность, так и ее влияние на окружающее его общество, характеризуется преимущественно монохромными картинами в оттенках синего и сине-зеленый, лишь изредка подогреваемый другими цветами. Работы Пикассо этого периода изображают недоедание, проституцию и посмертные портреты друга Карлоса Касагемаса после его самоубийства. кульминацией которого стала мрачная аллегорическая картина «Жизнь».Лави (1903) изобразил внутренние мучения своего друга перед лицом любовника, которого он пытался убить.

    Розовый период (1904-1906)

    В соответствии с названием, когда Пикассо, казалось, добился небольшого успеха и преодолел часть своей депрессии, у него был более радостный период с оранжевыми и розовыми оттенками и игривым миры циркачей и арлекинов. Пикассо познакомился с богемной художницей по имени Фернанда Оливье, которая стала его возлюбленной. Впоследствии она появилась во многих из этих более оптимистичных картин.

    Американские коллекционеры произведений искусства Лео и Гертруда Стайн стали большими поклонниками Пикассо. Они не только стали его главными покровителями, Гертруда тоже была изображена в его Портрет Гертруды Стайн, один из самых известных его портретов.

    Искусство — это ложь, которая заставляет нас осознать истину.» — Пабло Пикассо

    Африканское влияние (1907-1909)

    Для Пикассо поворотным моментом стала ретроспектива Поля Сезанна, проходившая в Осеннем салоне через год после смерти художника в 1906 году.Хотя раньше у него был знаком с Сезанна, только на ретроспективе Пикассо ощутил полное влияние его художественных достижений. В работах Сезанна Пикассо нашел образец того, как выделить главное. с натуры, чтобы получить цельную поверхность, выражающую уникальное видение художника. Примерно в то же время эстетика традиционной африканской скульптуры оказала сильное влияние на европейскую культуру. художники. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и их друзья из Парижской школы начинают смешивать высоко стилизованную обработку человеческой фигуры в африканских скульптурах. со стилями живописи, заимствованными из постимпрессионистских работ Сезанна и Гогена.

    «Авиньонские девицы» — первый шедевр Пикассо. На картине изображены пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских расколотых плоскостей и лиц, вдохновленных иберийскими традициями. скульптура и африканские маски. Сжатое пространство, в котором обитают фигуры, кажется выступающим вперед зазубренными осколками; яростно заостренный ломтик дыни в натюрморте с фруктами внизу композиции качается на невозможно перевернутой столешнице. В этой картине Пикассо радикально отходит от традиционной европейской живописи, адаптируя примитивизм и отказываясь от перспективы в пользу плоской, двумерная картинная плоскость.

    Когда Les Demoiselles d’Avignon впервые появились, казалось, что мир искусства рухнул. От известной формы и представления полностью отказались. Поэтому ее называли самой новаторской картиной в современном искусстве. история. Благодаря новым стратегиям, примененным в живописи, Пикассо внезапно обрел свободу выражения вдали от современных и классических французских влияний и смог проложить свой собственный путь. Формальные идеи разработаны в этот период ведут непосредственно к последующему кубистическому периоду.

    Другие видели, что есть, и спрашивали, почему. Я видел, что могло бы быть, и спросил, почему бы и нет.»
    — Пабло Пикассо

    Кубизм (1909-1919)

    Слияние влияний — от Поля Сезанна и Винсента Ван Гога до архаического и племенного искусства — побудило Пикассо придать своим фигурам больший вес и структуру. около 1907 года. И они в конечном итоге поставили его на путь к кубизму, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в искусстве эпохи Возрождения.В этот период стиль, разработанный Жоржем Браком и Пикассо, использовал в основном нейтральные цвета и был основан на том, что они «разбирают» объекты и «анализируют их» с точки зрения их формы. Кубизм, особенно вторая форма, известная как синтетический кубизм, сыграла большую роль в развитии западного мира искусства. Работы этого этапа подчеркивают сочетание или синтез форм в картине. цвет чрезвычайно важно в формах объектов, потому что они становятся больше и более декоративными.Неокрашенные предметы, такие как газеты или обертки от табака, часто наклеиваются на холст в сочетании с окрашенными участками — включение большого количества посторонних материалов особенно связано с новой техникой коллажа Пикассо. Этот прием коллажа подчеркивает различия в фактуре и ставит вопрос что такое реальность и что такое иллюзия в живописи. Используя цвет, форму и геометрические фигуры, а также свой уникальный подход к изображению, Пикассо изменил направление искусства для будущих поколений.

    Неоклассицизм, сюрреализм и скульптура

    Обладая непревзойденным мастерством техники и мастерства, Пикассо совершил свою первую поездку в Италию в 1917 году и сразу же начал период дани уважения неоклассическому стилю. Отказ от крайнего модернизма он рисовал и рисовал работы, напоминающие Рафаэля и Энгра. Это была лишь прелюдия перед тем, как Пикассо, казалось бы, без особых усилий начал сочетать свои модернистские концепции со своим мастерством в сюрреалистическом такие шедевры, как «Герника» (1937), бешеное и мастерское сочетание стиля, воплощающее отчаяние войны. Герника считается самой мощной антивоенной утверждение современного искусства. Это было сделано, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо прекращения войны и осуждение фашизма в целом. С самого начала Пикассо предпочитает не изображать ужас Герники в реалистическом свете. или романтические термины. Ключевые фигуры — женщина с раскинутыми руками, бык, агонизирующая лошадь — уточняются этюд за этюдом, затем переносятся на емкое полотно, которое он также несколько раз переделывает.Темный цветная и монохромная тема использовались для изображения тяжелых времен и страданий, которые они пережили. «Герника» бросает вызов представлениям о войне как о героизме и разоблачает ее как жестокий акт самоуничтожения. Работы были не только практическим отчетом или картиной, но и остаются очень мощной политической картиной в современном искусстве, соперничающей с несколькими фресками мексиканского художника. Диего Ривера.

    Последние годы

    Последние работы Пикассо представляли собой смесь многих стилей, которые он использовал на протяжении всей своей жизни.Он осмелился сделать скульптуры крупнее, а свои картины – выразительнее и красочнее. К концу своей карьеры, Пикассо любил изучать классические произведения, которые повлияли на его развитие на протяжении многих лет, и создал несколько серий вариаций картин старых мастеров, включая Рембрандта, Диего Веласкес и Эдуард Мане, основоположник современных традиций. Некоторые из наиболее заметных его работ включают « Резню в Корее». после Гойи, Менины после Веласкеса и «Завтрак на траве» после Мане.Многие из эти произведения до сих пор имеют влияние в мире искусства; и, по сути, благодаря видению и яркому творческому стилю, до сих пор остаются одними из самых новаторских произведений, представленных миру искусства, даже в последние годы. Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаются началом движения неоэкспрессионизма.

    Влияние Пабло Пикассо

    Когда Пикассо умер в возрасте 91 года в апреле 1973 года, он стал одним из самых известных и успешных художников в истории.Леонардо да Винчи ХХ века, истинное величие Пикассо и значение заключаются в его двойной роли революционера и традиционалиста одновременно. Уникально для 20-го века, он был способен, с одной стороны, к радикальным инновациям, а с другой — к продолжению традиционных линий. Так, в «Авиньонских девицах» он победил репрезентативную картину, а в «Гернике» возродил жанр исторической живописи в новой форме. Он также бесспорно самый плодовитый гений в истории искусства.Его карьера длилась 78 лет, за которые он создал: 13 500 картин, 100 000 гравюр и гравюр и 34 000 иллюстраций. Пикассо был и до сих пор считается писателей и критиков, метафора, которая передает как чувство художника, способного преобразовывать все вокруг себя одним прикосновением, так и человека, который также может преобразовывать себя, ускользать от нас, очаровывать и гипнотизировать нас.

    Подобно Уильяму Шекспиру в литературе и Зигмунду Фрейду в психологии, влияние Пикассо на искусство огромно.Никто не достиг такой же степени широко известной или продемонстрировал такую ​​невероятную универсальность, как Пабло Пикассо в истории искусства. Свободный дух Пикассо, его эксцентричный стиль и полное игнорирование того, что другие думают о его работах и творческий стиль, сделал его катализатором для художников. Известный теперь как отец современного искусства, Пикассо своей оригинальностью затронул каждого крупного художника и направление в искусстве, последовавшее за ним. Даже на сегодняшний день его жизнь и творчество продолжают предлагать бесчисленные научные интерпретации и привлекают тысячи последователей по всему миру.

    Анализ 300 картин и полные работы


    Винсент Ван Гог (1853-1890), пожалуй, самый известный художник в мире, многими воспринимается как «сумасшедший» художник, человек, рисовавший в исступлении, или просто измученная душа, которая отрезает ему ухо. Его художественный гений часто затмевают те, кто видит в его картинах просто визуальное проявление его беспокойного ума.Хотя отчасти это может быть правда, на самом деле его новаторский и уникальный художественный стиль имел огромное значение для множества художников, последовавших за ним. Даже находясь под открытым влиянием своих предшественников или современников, его искусство оставалось явно его собственным, развивая особый стиль, который не был принят публикой, покупающей искусство в его время. Карьера Винсента Ван Гога как художника была короткой, но его Картины произвели революцию в художественной практике и стилях. Интенсивность его видения, его прекрасное чувство цвета и необычайная смелость его техники создавали шедевры, огромное влияние на искусство XX в.

    Ранние годы 1881-1883

    Хотя первая официальная работа художника после окончания школы была связана с искусством, серьезно он начал заниматься живописью только спустя годы. В 16 лет Винсент Ван Гог поступил в ученики в филиал своего дяди. Goupil & Cie, парижский арт-дилер. Эта должность включала в себя путешествия и, конечно же, знакомство с современным искусством того времени, но Ван Гог перешел к религиозной работе и ненадолго поработал в качестве книготорговцем до создания первой картины Ван Гога.

    Его самые ранние работы, выполненные с 1881 по 1883 год, отражают внимание новичка к деталям, а также намеки на зарождающийся гений, который полностью проявится в его более поздних картинах. Хотя его зарисовки и акварельные рисунки могут на первый взгляд показаться двухмерными и дилетантскими, они очаровательны с точки зрения их свидетельства ранних исследований Ван Гога в области реализма.

    Винсент Ван Гог нарисовал свои первые рисунки во время пребывания в доме своих родителей в Эттене, Нидерланды, обучаясь главным образом книгам по анатомии, перспективе и художественной технике.Художник ограничил свое первое рисунки в черно-белую палитру, считая, что овладение этой дисциплиной необходимо, прежде чем пытаться работать в цвете.

    Его первые рисунки людей изображают различных крестьян в статических позах, некоторые в профиль, в то время как его главные пейзажи в основном выполнены в перспективе. В своих ранних рисунках пером и акварелью Винсент использовал тень и свет, а не цвет, чтобы создать объем.Опираясь на весомое влияние таких мастеров, как Милле, Рембрандт и Домье, художник сосредоточил внимание на человеческой фигуре. имел решающее значение для его художественного развития.

    В середине 1881 года Винсент Ван Гог некоторое время учился у Антона Мауве, мастера Гаагской школы искусств. Мауве не только освоил основы, но и познакомил своего ученика с акварелью и маслом, что расширило возможности художника. «Натюрморт с капустой и башмаками» Винсента, одна из его первых картин, использует мрачные землистые тона, характеризуют его ранние работы в голландском стиле.Он также отличается богатым всплеском цвета, предвестником грядущего блестящего стиля живописи Ван Гога.

    Один из первых опытов Винсента Ван Гога в области пейзажа, жанра, которым он будет заниматься на протяжении всей своей карьеры, «Вид на море в Схевенингене», завершенный в Август 1882 г., изображен активный вид на берег недалеко от Гааги. Реализм сцены на самом деле проявляется на самом холсте, с песчинками от ненастной погоды, все еще вкрапленными в холст. масла.Работа демонстрирует элементы импрессионистской школы искусства с ее нечеткими, но подвижными фигурами на переднем плане, прерывистыми мазками, обозначающими бурлящий прибой, и темными формами, наводящими на размышления. грозовых туч, над головой.

    Гаага

    Резиденция Винсента Ван Гога в Гааге в 1882 и 1883 годах оказалась продуктивным периодом, когда он продолжал оттачивать свою технику и исследовать похожие, но свежие темы. За это время он получил свои первые заказы на несколько рисунков городских пейзажей в Гааге от дяди, который также был арт-дилером.

    Пейзаж Ван Гога 1883 года «Поля луковиц» свидетельствует о пробуждении художника к выразительному использованию света и цвета, столь заметному в его более поздних работах. в На переднем плане картины гиацинты белого, голубого, розового и золотого оттенков заполняют садовые ящики, которые ведут взгляд к далекому склону холма и небу, заполненному белыми облаками. Затененные дома с соломенными крышами создайте сцену, пока садовник ходит между ящиками на среднем расстоянии.

    Что сделано с любовью, то сделано хорошо.

    — Цитата Винсента Ван Гога

    Средние годы: 1884-1887

    В этот период жизни Винсента Ван Гога неудачная любовная связь, смерть его отца и недолгий период учебы в Антверпенской академии сформировали мрачный фон для продолжающегося творческого развития Винсента. Во время пребывания в северной деревне Нюэнен с конца 1883 по 1885 год художник сосредоточился на аграрных сценах крестьян, обрабатывающих землю, и ткачей, занимающихся своим ремеслом.В 1885 году художник создал «Едоки картофеля» — произведение, которое многие считают его первым шедевром. В этом изображении фермерской семьи, сидящей за своим скромным столом, Винсент Ван Гог обращается к влиянию Рембрандта в силу темной обстановки, которая, тем не менее, наполнена личностью и жизнью. Большая тарелка картофеля иллюстрирует простое богатство тех, кто зарабатывает себе на жизнь землей. Дружелюбная атмосфера, освещенная теплым светом единственной лампы, пробуждает в зрителе стремление принять участие в этой непритязательной, но дружеской сцене.

    Впечатления от Парижа

    В 1886 году Винсент Ван Гог посещал художественные курсы в Антверпенской академии, но оставался там лишь часть года. Переехав к своему брату Тео в Париж, Винсент учился у художника Кормона и приехал в контакте с однокурсниками Анри де Тулуз-Лотреком, Джоном Расселом и Эмилем Бернаром.

    Тео, арт-дилер, познакомил своего брата с работами выдающихся художников-импрессионистов, таких как Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар и Жорж Сёра, все из которых оказали сильное влияние на будущие картины художника.Винсент познакомился и подружился с художником Поль Гоген в тот же период, и блестящие картины Гогена также оказали влияние на искусство голландца.

    В 1887 году Винсент Ван Гог экспериментировал с техникой пуантилизма, которой придерживался Сера, который использовал ее в таких работах, как «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт». В одном из своих многочисленных автопортретов: «Автопортрет в серой фетровой шляпе» Винсент использует крошечные точки светоотражающего цвета, чтобы показать мужчину с резкими чертами лица и усталым от жизни выражением человека, который видел больше, чем его доля трудностей.

    Именно в этот период жизни художник начал проявлять интерес к укиё-э, японской гравюре на дереве, которую он и такие современники, как Клод Моне и Эдгар Дега начал собирать и вдохновлять картины, отражающие влияние японского искусства на его художественное видение.

    Интерпретация Ван Гога 1887 года «Куртизанка», работа Кейсаи Эйзена, отличается сочетанием ярких цветов, которые намного превосходят оригинал. Он выбрал фон пруд с лилиями вместо цветущей сакуры Эйзена.

    Я мечтаю рисовать, а потом рисую свою мечту»

    — Цитата Винсента Ван Гога

    Последние годы: с 1888 по 1890 год

    Винсент Ван Гог переехал из парижского дома Тео в Арль на юге Франции в 1888 году, где снял «Желтый дом». Весной он писал цветущие пейзажи Прованс, а также морские пейзажи близлежащего Сент-Мари-де-ла-Мер. В этот плодотворный период жизни художника он также написал ряд портретов, в том числе свою серию Семья Рулин.

    В то время как Винсент Ван Гог готовил комнату в своем Желтом доме для размещения Гогена, который планировал приехать в Арль на длительное время в конце года, Винсент Ван Гог также работал над своей второй серией романов. Картины с подсолнухами. Он создал первую серию, когда гостил у своего брата в Париже. На картинах художника с подсолнухами были разные фоны и аранжировки. больших золотых цветов, похожих друг на друга, но отличающихся друг от друга. Искусствоведы особенно ценят эти работы за новаторское расширение желтого цветового спектра.Другие оценивают картины за уникальное сочетание простоты и выразительных деталей.

    Визит Гогена

    Прибытие Гогена в Желтый дом в октябре 1888 года, которого так ждал Винсент Ван Гог, не закончилось так, как планировалось. Поначалу оба артиста наслаждались плодотворным периодом в своей карьере, но разногласия и споры испортили продуктивный тон их визита. Напряженность между ними достигла кульминации в конце декабря, когда Винсент якобы напал на своего коллегу с бритвой. заниматься, отрезать часть собственного уха.Следующие несколько дней Винсент Ван Гог провел в больнице Арля.

    Впоследствии художник поступил на лечение в приют в Сен-Реми-де-Прованс, и, несмотря на быстрое ухудшение психического состояния, он создал серию стилистически разнообразных картин, которые изображена сама больница, а также прилегающие территории, оливковые деревья и кипарисы.

    Винсент Ван Гог написал свою блестящую работу 1889 года «Ирисы» в саду Сен-Реми во время своего пребывания. Картина, которая также демонстрирует некоторые черты японской гравюры на дереве. как склонность художника к цвету и свету, был частью ежегодной выставки Societe des Artistes Independant в Париже, благодаря вмешательству Тео, наряду с картиной Ван Гога, Звездная ночь над Роной.Престижная выставка познакомила с гением художника более широкую аудиторию, чем когда-либо прежде.

    Я вложил в свою работу сердце и душу, но в процессе потерял рассудок».

    — Цитата Винсента Ван Гога

    Последние дни и смерть

    Несмотря на то, что его болезнь усугубляла его повседневную деятельность, последние месяцы жизни Винсента Ван Гога, тем не менее, были для него самыми продуктивными.На фоне постепенно растущего признания его работы, он вступил в период чрезвычайной плодотворности в течение своих последних 60 дней на земле. Пшеничное поле с воронами считается последней работой Винсента Ван Гога.

    Приближаясь к концу своей жизни, художник перешел к зеленому и синему цветовому спектру, характерному для соломенных коттеджей в Кордевиле. Он также отдавал предпочтение изогнутым волнообразным линиям, указывающим на движение и энергию, например, линия забора на переднем плане картины и верхушки деревьев позади.Искажение привычных форм, таких как сами коттеджи, выводит произведение искусства за пределы импрессионизма к новым итерациям выражения. Винсент Ван Гог создавал совершенно новый постимпрессионистский стиль, приближаясь ко дню своей смерти в возрасте 37 лет.

    27 июля 1890 года Винсент Ван Гог был ранен в живот и скончался рано утром 29 июля 1890 года в своей комнате в Оберж Раву в деревне Овер-сюр-Уаз на севере Франции.Хотя официальный история утверждает, что Ван Гог покончил жизнь самоубийством, последние исследования показывают, что смерть Ван Гога могла быть вызвана несчастным случаем.

    Влияние Винсента Ван Гога

    Сегодня Винсент Ван Гог считается величайшим голландским художником со времен Рембрандта. Художественный стиль Ван Гога оказал значительное влияние на множество художников, которые последовали за ним.Его работы ознаменовали развитие школ фовизма, экспрессионизма и модернизма 20 века.

    В течение десятилетия после смерти Ван Гога его бывшие коллеги, в том числе Гоген, Поль Сезанн и Анри де Тулуз-Лотрек, а также современники, такие как Эдвард Мунк и Густав Климт продолжали вводить новшества, включив в себя влияние ныне господствующей школы Импрессионизм, а также постэкспрессионизм Ван Гога в новые художественные стили.

    Винсент Ван Гог не дожил до признания своего таланта. Не мог он и мечтать о том, что станет непреходящим источником вдохновения для последующих поколений художников. Карьера Винсента Ван Гога как художник был невысоким, но его картины произвели революцию в художественной практике и стилях. Интенсивность его видения, его прекрасное чувство цвета и необычайная смелость его техники создавали шедевры. оказал глубокое влияние на искусство XX века.

    знаменитых картин Ван Гога и истории, стоящие за ними

    Винсент Ван Гог (1853–1890) — одна из самых известных фигур в истории искусства. Несмотря на трагически оборвавшуюся карьеру и отсутствие признания при жизни, его картины сейчас считаются одними из самых красивых произведений искусства, когда-либо созданных.

    В связи с тем, что музей Ван Гога в Амстердаме недавно получил приз «Лучший музей» в рамках международной премии Remarkable Venue Awards (получив более 6000 голосов), самое время изучить работы Ван Гога.От звездных ночей до впечатляющих подсолнухов — вот путеводитель по самым известным картинам Ван Гога и тому, что делает их такими особенными.

    Звездная ночь (1889)

    Чем знаменита эта картина?

    Звездная ночь , вероятно, будет первым в списке самых известных произведений Ван Гога. Вы найдете его на постерах, новых носках, сумках, компьютерных фонах, татуировках на руках и т. д.Вы также найдете его на стенах Музея современного искусства в Нью-Йорке, где он является одним из самых привлекающих внимание музеев (что действительно говорит о многом, учитывая количество других удивительных картин, присутствующих в коллекции MoMA). ).

    Звездная ночь — не просто одна из самых популярных картин Ван Гога; это одно из самых знаковых произведений искусства. Его впечатляющее закрученное ночное небо, заполненное спиралями в экспрессионистском стиле, по сей день продолжает вызывать сильный эмоциональный отклик у зрителей.

    Что за предыстория?

    Хотя этот пост посвящен знаменитым картинам Ван Гога, а не биографии самого художника, его жизнь нельзя игнорировать, когда вы пишете о своем искусстве. Ван Гог добровольно отправился в психиатрическую лечебницу в Сен-Реми-де-Прованс в 1889 году, через несколько месяцев после печально известного эпизода, когда он изуродовал свое левое ухо. Эта картина была основана на виде из его окна в приюте.

    Некоторые искусствоведы предполагают, что картина была создана в возбужденном состоянии, что отразилось в почти галлюцинаторном характере работы и потенциально подкреплялось тем фактом, что Ван Гог пережил второй срыв всего через месяц после того, как Звездная ночь была завершена .

    Несмотря на то, что сейчас эта картина считается одним из самых ценных произведений искусства в истории, Ван Гог, кажется, лично расценил эту картину как неудачный эксперимент. Он лишь кратко упоминается в письме к его брату Тео как «ночной этюд», спустя несколько месяцев после того, как он уже был написан. Позже он решил не отправлять картину в Нидерланды (заявив, что предпочитает другие работы), и в конце концов назвал свой шедевр «неудачным» в письме коллеге-художнику Эмилю Бернару.

    Где находится «Звездная ночь»?

    📍 Музей современного искусства, Нью-Йорк.

    Звездная ночь над Роной (1888)

    Чем знаменита эта картина?

    Когда люди говорят о «Звездной ночи», они обычно имеют в виду первую картину в этом списке, но вместо этого они вполне могут говорить о «Звездная ночь над Роной» . Эта картина, столь же поразительная своим изображением ночного неба (хотя и с меньшим количеством спиралей), дает немного более спокойное ощущение, чем ее аналог, но имеет классическую цветовую палитру, которой прославился Ван Гог.

    Что за предыстория?

    Ван Гог, кажется, был особенно очарован ночным небом и газовым освещением, видимым над водой в Арле. Он был настолько взволнован картиной, что отправил ее эскиз своему другу, художнику Эжену Боху, и работа была публично выставлена ​​​​в 1889 году в Société des Artistes Indépendants в Париже.

    Он также почти с любовью описал картину в одном из многих писем, которые он написал своему брату Тео, описав ее как «… звездное небо, нарисованное ночью, на самом деле под газовой струей.Небо цвета морской волны, вода ярко-синяя, земля розовато-лиловая. Город сине-фиолетовый. Газ желтый, а отражения от красно-золотых до зелено-бронзовых. На аквамариновом поле неба Большая Медведица сверкает зеленым и розовым, чья сдержанная бледность контрастирует с брутальным золотом газа. Две красочные фигурки влюбленных на переднем плане».

    Где находится «Звездная ночь над Роной»?

    📍Музей Орсе, Париж.

    Подсолнухи (1888)

    Чем знамениты эти картины?

    Подсолнух s — это не одна картина, а по сути две целые серии из нескольких картин с подсолнухами. Чаще всего, когда кто-то ссылается на «Подсолнухи» Ван Гога, они имеют в виду серию, которую он создал в Арле, состоящую из четырех первоначальных версий и трех повторений одной и той же идеи.

    Менее известны «Парижские подсолнухи», которые он создал, когда жил со своим братом в Париже между 1886 и 1888 годами.Менее торжественные и не в полном расцвете, эти подсолнухи, тем не менее, довольно впечатляющие, и их можно найти в музеях, включая The Met в Нью-Йорке, музей Креллер-Мюллер и (конечно) музей Ван Гога в Амстердаме.

    Что за предыстория?

    Сам Ван Гог, кажется, был в полном восторге от подсолнухов, что нашло отражение как в огромном количестве созданных им картин с изображением подсолнухов, так и в его описаниях в письмах, которые он писал своему брату и друзьям.

    В 1888 году Ван Гог писал: «Я пишу со вкусом марсельца, поедающего буйабес, что не удивит вас, когда речь идет о рисовании больших подсолнухов». В принципе, он любил рисовать подсолнухи, и все это знали. В том же письме он объяснил, как он мечтал работать в студии вместе со своим другом Полем Гогеном и что он планировал создать украшения для стен, состоящие из огромных картин с подсолнухами.

    Можно предположить, что сам Гоген тоже был поклонником подсолнухов, особенно тех, что рисовал Ван Гог.В 1889 году Гоген «потребовал» одну из картин с подсолнухами в обмен на часть своей работы, которую он оставил Ван Гогу, к великому разочарованию Винсента:

    «Я определенно держу свои подсолнухи под вопросом. У него их уже двое, пусть это держит его. И если его не удовлетворит обмен, который он произвел со мной, он может забрать свой маленький холст Мартиники и свой автопортрет, который он прислал мне из Бретани, в то же время вернув мне мой портрет и два подсолнуха. полотна, которые он увез в Париж.Так что, если он когда-нибудь снова затронет эту тему, я рассказал вам, как обстоят дела.

    Где подсолнухи Ван Гога?

    Вы можете найти знаменитые картины Ван Гога с подсолнухами в различных местах по всему миру: The Met в Нью-Йорке, Музей Креллера-Мюллера в Оттерло, Музей Ван Гога в Амстердаме, Музей изящных искусств в Берне, Национальная галерея в Лондоне, Художественный музей Филадельфии, Японский художественный музей Сомпо в Токио и Новая пинакотека в Мюнхене.

    Автопортрет (1889)

    Чем знаменита эта картина?

    Часто считается, что это последний автопортрет Ван Гога, а также его самое знаковое изображение на холсте. В то время как критики расходятся во мнениях относительно того, является ли эта картина или « Автопортрет без бороды» его последним изображением самого себя, мало кто спорит о том, какая картина более известна. Он имеет те же галлюцинаторные завихрения, что и Звездная ночь , и указывает на общее ощущение турбулентности и давления.Когда люди думают о Ван Гоге, они думают именно об этом человеке: напряженном, задумчивом персонаже, полном экспрессии и эмоциональном смятении.

    Что за предыстория?

    Ван Гог часто рисовал самого себя. На ум могут прийти разные причины (чистое художественное тщеславие или желание задокументировать свои физические и психические изменения), но есть еще одна, о которой не часто упоминают: у него просто не было денег, чтобы платить за моделей для съемок. сидеть часами.Хотя Ван Гог не жил в крайней нищете — миф, который часто повторяют, — управление деньгами было проблемой.

    Его переписка с братом показывает, что он полагался на ежемесячное пособие от Тео, которого никогда не было достаточно, чтобы соответствовать амбициям Винсента. Художественные товары тогда были дорогими, как и сейчас, и нанять модель, возможно, было слишком далеко для того, кто был вдохновлен в первую очередь природой.

    История этой картины больше всего связана с личным путешествием Ван Гога, особенно в том, что касается его психического здоровья.Хотя в письме к брату (обсуждая этот автопортрет) он настаивает на том, что сейчас ему лучше, в ретроспективе становится до боли очевидно, что не все было хорошо.

    «Надеюсь, вы заметите, что выражение моего лица стало намного спокойнее, хотя взгляд у меня такой же неуверенный, как и раньше, или мне так кажется».

    Где это?

    📍Музей Орсе, Париж.

    Едоки картофеля (1885)

    Чем знаменита эта картина?

    В нем нет красочной звездной силы, которую можно найти в некоторых из его более поздних работ, но Едоки картофеля до сих пор считается одной из самых известных картин Ван Гога.Созданная в 1885 году, немного раньше других представленных картин, эта картина раскрывает голландские корни художника.

    Находясь под сильным влиянием художников Гаагской школы (прежде всего Джозефа Исраэлса), Ван Гог стремился изобразить реалии крестьянской жизни такой, какой она была на самом деле: грубой, иногда уродливой, но также с подлинностью и нежностью, присущими семейной обстановке.

    Что за предыстория?

    Ван Гог любил эту картину. Через два года после его окончания он написал письмо своей сестре, в котором утверждал, что «… картина крестьян, поедающих картошку, которую я сделал в Нюэнене, в конце концов, лучшее, что я сделал ».Вполне вероятно, что сюжет и исполнение картины были весьма близки сердцу Ван Гога, и что он был искренне взволнован завершением того, что считал одним из своих шедевров.

    Он также казался искренне задетым критикой, которую он получил по картине от своего друга, коллеги-голландского художника Антона ван Раппарда, и строго упрекнул его, заявив, что он «… не имел права осуждать мою работу так, как вы ». ».

    Помимо особого места в собственном сердце художника, картина примечательна несколько более мрачными причинами: ее украли не один, а два раза — сначала из музея Крёллер-Мюллер в 1988 году, затем из музея Ван Гога в 1991 году.В обоих случаях, особенно в последнем (у машины эвакуации лопнуло колесо, и воры были вынуждены оставить картины), работа была возвращена в целости и сохранности.

    Где это?

    📍Музей Ван Гога, Амстердам.

    Пшеничное поле с воронами (1890)

    Чем знаменита эта картина?

    В свои последние дни Ван Гог написал несколько изображений окружающих его пшеничных полей. Из них этот самый известный, но и самый темный.Кажется, что это показывает чувство изоляции и одиночества, с тропой, заканчивающейся посреди поля, ведущей в никуда, окруженной воронами. Это мрачный образ.

    Существует множество других интерпретаций картины, в том числе мысль о том, что в ней нет ни капли тревоги или отчаяния (Вальтер и Мецгер), и, в конечном счете, невозможно узнать мотивы художника. Что мы знаем наверняка, так это то, что драматическая цветовая палитра, своего рода смесь между «Звездная ночь » и «Подсолнухи », делает эту картину одной из самых интуитивных и ярких картин Ван Гога.

    Что за предыстория?

    Завершенная в июле 1890 года, эта работа вполне могла быть последней работой Ван Гога — к сожалению, по этому поводу нет убедительных писем или записей. Факт остается фактом: эта картина была закончена в том же месяце, когда Винсент выстрелил себе в грудь либо рядом, либо в изображенном пшеничном поле. Невозможно смотреть на эту картину, не думая об этом мрачном осознании.

    Где это?

    📍Музей Ван Гога, Амстердам.

    Цветы миндаля (1888–1890)

    Чем знаменита эта картина?

    Проще говоря, цветка миндаля Ван Гога прекрасны. Предметы эстетически приятны, и радость художника от их рисования хорошо видна в результате. Именно эта картина является самой известной из целой серии, посвященной цветущим миндальным деревьям.

    Один малоизвестный факт о Ван Гоге заключается в том, что он был одержим японским искусством и находился под сильным влиянием ксилографии и гравюр укиё-э.Вдохновение, лежащее в основе работы, можно четко проследить до этого японского художественного стиля: работа 1887 года «Цветущая слива японского искусства» (после Хиросигэ) , также изображенная здесь, является одновременно данью уважения японскому художнику Хиросигэ и предзнаменованием Вана. Собственный шедевр Гога.

    Что за предыстория?

    Ван Гог наслаждался самой продуктивной эпохой своей карьеры во время своего пребывания на юге Франции, называя Арль «южной Японией» из-за его обилия солнечного света и цветущих деревьев.Впервые он приехал в марте 1888 года, когда зацвели фруктовые деревья, и сразу же начал рисовать с почти беспрецедентной скоростью:

    «Я по уши в работе, потому что деревья в цвету, и я хочу написать провансальский фруктовый сад удивительного веселья».

    Эта конкретная работа, самая известная картина Ван Гога с цветами миндаля, была создана по другой особой причине: рождение его племянника, сына его брата Тео. Это одна из редких картин Ван Гога, в которых можно увидеть надежду, радость и безмятежность, что делает ее еще более особенной.

    Где это?

    📍Музей Ван Гога, Амстердам.

    Ирисы (1889)

    Чем знаменита эта картина?

    Ирисы Ван Гога, возможно, являются лучшим примером того, как художник создает работы чрезвычайной эстетической привлекательности. Картина полна света, жизни и природной красоты — с оттенком японского вдохновения, как в наборе «Цветы миндаля» . Проще говоря, на него приятно смотреть, и он взрывается цветом.

    «[Это] бросается в глаза издалека. «Ирисы» — прекрасный этюд, полный воздуха и жизни». – Тео Ван Гог.

    Что за предыстория?

    Попав в лечебницу из-за ухудшения психического здоровья, Ван Гог почти сразу приступил к работе над этой картиной. Он называл процесс рисования «громоотводом моей болезни» и погрузился в работу, создав изображения цветочного сада приюта Сен-Поль-де-Мавсоль.

    Нетрудно представить, что целый день, проведенный в саду, давал Винсенту какое-то спокойствие и покой, каким бы временным он ни был. В то время как сам художник считал это просто «этюдом» (недостаточно хорошим, чтобы быть самостоятельным произведением искусства), его брат Тео понял, что Винсент создал что-то особенное, и представил это Société des Artistes Indépendants, где он был выставлен вместе с Звездная ночь над Роной .

    Где это?

    📍 Дж.Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес.

    Автопортрет с перевязанным ухом (1889)

    Чем знаменита эта картина?

    При обсуждении с кем-то Ван Гога неизбежно, что разговор в конце концов перейдет к тому, что именно произошло с его ухом — изображенным на этой самой картине. Творчество Ван Гога неразрывно связано с его личной жизнью и событиями, развернувшимися на протяжении его творческой карьеры. Образ Ван Гога с перевязанным ухом является знаковым, а иногда (к сожалению) первым изображением, которое приходит на ум, когда кто-то думает о Винсенте Ван Гоге.

    Что за предыстория?

    Живя со своим другом (это обсуждается) и коллегой-художником Полем Гогеном в Париже, Ван Гог оказался далеко не идеальным соседом по комнате. У него и Гогена были частые разногласия, которые иногда перерастали в насилие. Считается, что во время одного из таких разногласий у Ван Гога случился припадок, и он угрожал Гогену бритвой, прежде чем вместо этого поранился, отрезав себе часть левого уха и перерезав артерию на собственной шее.В повышенном психическом состоянии Винсент посетил местный публичный дом и подарил мочку своего уха одной из проституток. На следующий день он был доставлен в больницу, не помня о том, что произошло.

    Еще одна вещь, которая может представлять интерес (после того, как будут даны ответы на все вопросы, связанные с ушами), — это частично показанный японский настенный свиток на заднем плане.

    Он основан на подлинном произведении искусства, которым владел Ван Гог и которое висело у него на стене (на фото слева): Гейши в пейзаже , японская гравюра 1870-х годов, еще раз показывающая, как японское искусство повлияло на его собственное творчество.

    Где это?

    📍Галерея Курто, Лондон.

    Спальня в Арле (1888)

    Чем знамениты эти картины?

    Эта картина может быть в три раза более известна, чем другие в этом списке, потому что «Спальня в Арле» — это название, данное трем почти идентичным работам, выставленным в разных музеях по всему миру.

    Каждая картина представляет собой сокровенное изображение спальни Ван Гога, давая уникальное представление о том, как жил художник.Сюда он возвращался после тяжелого рабочего дня и где мечтал по ночам. Все картины относительно просты и скромны, с упором на эффективное использование цвета.

    «Я покрасил стены в бледно-фиолетовый цвет. Земля с проверенным материалом. Деревянная кровать и стулья, желтые, как свежее масло; простыня и подушки светло-лимонного цвета. Покрывало алого цвета. Окно, зелень. Умывальник оранжевый; танк, синий. Двери, сирень. И это все.

    Что за предыстория?

    Это была спальня Ван Гога в «Желтом доме», которую он делил с Гогеном. Закрытая дверь слева вела в запасную спальню, в которой спал Гоген. В письме своему другу Винсент заявил, что оригинальная картина из этой серии возникла из-за продолжительного приступа болезни, во время которого он несколько дней был прикован к постели.

    Один маленький и приятный факт, на который могут обратить внимание зоркие наблюдатели, — это миниатюрные портреты, висящие рядом с кроватью.Это эквивалент 19-го века, когда на стене можно повесить полароидные фото ваших друзей — люди, изображенные на фотографиях, — современники и хорошие друзья Ван Гога Эжен Бох и Поль-Эжен Милье.

    Где они?

    📍 1-я версия: Музей Ван Гога, Амстердам.

    📍 2-я версия: Художественный институт Чикаго.

    📍 3-я версия: Музей Орсе, Париж.

    Терраса кафе ночью (1888)

    Чем знаменита эта картина?

    Эта картина была первым разом, когда Ван Гог сосредоточился на создании своих ставших культовыми вечерних фонов со звездным небом — вскоре после этого он создал «Звездная ночь над Роной» , а затем «Звездная ночь» .Цвета сразу бросаются в глаза, и вы можете сказать, что это картина Ван Гога, основанная только на цветовой палитре и темных силуэтах вдали.

    Он настолько популярен, что именно то место в Арле, где Ван Гог создал это изображение, было отреставрировано в начале 1990-х годов, чтобы более точно напоминать (или воспроизвести) то место, которое художник увековечил на этой картине.

    Что за предыстория?

    Сам Ван Гог был явно вдохновлен в то время и был взволнован идеей изображать ночное время в своих картинах.Только что переехав в Арль, он был полон идей и надежд относительно направления своего искусства. Несмотря на то, что до его смерти оставалось всего два года, Ван Гог только начинал закладывать основу для некоторых из своих самых знаковых картин, воплощенных в «Ночная терраса кафе ».

    «Теперь есть картина ночи без черного. Ничего, кроме красивого синего, фиолетового и зеленого, и в этом окружении освещенная площадь окрашена в бледно-серный, лимонно-зеленый цвет. Мне очень нравится рисовать на месте ночью.Раньше рисовали, а днем ​​рисовали картину по рисунку. Но я нахожу, что мне подходит сразу покрасить вещь. Совершенно верно, что в темноте я могу принять голубую за зеленую, голубую сиреневую за розово-сиреневую, так как характер тона ясно не разобрать. Но это единственный способ уйти от привычной черной ночи с бедным, бледным и беловатым светом, в то время как одна лишь свеча сама по себе дает нам самые насыщенные желтые и оранжевые цвета». – Винсент Ван Гог.

    Где это?

    📍 Музей Креллер-Мюллер, Оттерло.


    Вас вдохновляет поиск любого из вышеперечисленных произведений искусства? Посмотрите самые известные картины Ван Гога в музеях ниже!

    Анализ и биография 100 известных картин


    Марк Ротко (1903-1970) принадлежит к поколению американских художников, которые полностью изменили сущность и дизайн абстрактной живописи.Его стилистическая эволюция от образного визуального репертуара к абстрактному стилю, коренящемуся в активном отношении наблюдателя к картине, воплотил радикальное видение ренессанса в живописи. Ротко охарактеризовал эти отношения как «совершенный опыт между картиной и зрителем. Ничто не должно стоять между моей картиной и зрителем». Его цветовые образования действительно втягивают наблюдателя в пространство, наполненное внутренним светом. Ротко всегда сопротивлялся попыткам интерпретации. его картины.В основном его интересовал опыт зрителя, слияние произведения и получателя за пределами словесного понимания. «Никакой набор заметок не может объяснить наши картины», — сказал он однажды. «Их объяснение должно исходить из завершенного опыта между картиной и зрителем. Восприятие искусства — это настоящий союз умов. И в искусстве, как и в браке, незавершенность является основанием для аннулирования».

    Маркус Ротковиц, также известный как Марк Ротко, родился 26 сентября 1903 года в Двинске, Россия, и был младшим из четырех детей.Его родители, Яков Роткович (1859 г.р.) и Анна Гольдин Роткович (1870 г.р.), женился в 1896 году. Братья и сестры Маркуса были намного старше, его сестра Соня превосходила его на 14 лет, его братья Моисей на одиннадцать и Альберт на восемь лет. Двинск сегодня является частью Литвы, а в 1990 году был переименован в Даугавпилс. (что означает «Форт на Дауге»). Название напоминает о рождении города как средневековой крепости на берегу Дауги, находившейся в Польско-Литовском королевстве до его аннексии в 1722 году Россией при царе Иване IV.

    В детстве он и его семья переехали в Соединенные Штаты и решили там остаться. Ему было всего 10 лет, когда семья Ротковиц покинула Двинск и поселилась в Портленде, штат Орегон. Ротко учился в школе в Средняя школа Линкольна, расположенная в Портленде. Будучи студентом, он был довольно блестящим и преуспевал в учебе. В колледже он получил степень в области гуманитарных наук, а также естественных наук в Йельском университете. Однако он потерпел неудачу закончить курс и решил бросить школу в 1923 году.

    После этого он отправился в Нью-Йорк, чтобы пройти курс в Лиге студентов-искусствоведов у Макса Вебера, одного из немногих тамошних профессоров, не понаслышке знакомых с европейским модернизмом и увлеченных им. Ротко ранние экспрессионистские картины на повседневные темы отражали влияние Вебера, а также таких художников, как Марк Шагал. К 1929 году он нашел работу в Бруклине. Еврейский центр, где работал преподавателем.

    Вскоре после этого Ротко продемонстрировал свои исключительные способности художника.Фактически, его работы часто выставлялись в Галерее современного искусства Нью-Йорка и Художественном музее Портленда. Это было в 1933 году, когда его слава как художника расцвела, когда несколько человек начали обращать внимание на его оригинальные и яркие работы.

    К 1930-м годам было еще несколько современных художников, которые решили выставить свои работы. В него входил Ротко, и группа была названа «Десять». Ротко сосредоточился на выставлении своих работ для Works. Progress Administration, где его шедевры стали спонсироваться из федерального бюджета.

    В начале своей карьеры художника в работах Ротко были представлены различные сцены и образы суетливой городской жизни. Его картины также источают некоторую загадочность, сильные эмоции и изоляцию. В эпоху после мировой войны, он начал изображать образы выживания и смерти из-за ситуаций, преобладавших во время войны. Были также некоторые картины, которые включали концепции, уходящие корнями в различные религии и древние традиции. мифические темы.

    Вторая мировая война вынудила ряд ведущих европейских сюрреалистов эмигрировать в Нью-Йорк, среди них Макс Эрнст, Ив Танги, Роберт Матта Эчауррен, Андре Массон и Андре Бретон.Первый год войны Америки, 1942 год, стал годом сюрреализма в Нью-Йорке. Музей современного искусства показал Сальвадора Дали, Жоан Миро, Пауль Клее, а также серия персональных выставок в галерее с работами Массона, Эрнста, Матты и Танги. Великий пионер абстрактного искусства Пит Мондриан переехал в Нью-Йорк еще в 1940 году. Критическое обсуждение его работ и прибытие сюрреалистов стали решающими шагами в подъеме абстрактного искусства. Экспрессионизм. Ротко и другой художник Адольф Готлиб считали себя новыми, независимыми преемниками европейского авангарда.Они стремились объединить сюрреализм и абстрактную живопись.

    Вместе с Адольфом Готлибом Ротко усвоил четкую концепцию того, что такое искусство, в зависимости от того, как они его рассматривали. Он и Готлиб считали, что искусство должно быть приключением исследования неизвестного и таинственного мира. Два художники также предпочитали упрощенное и прямое выражение сложной мысли.

    Таким образом, в 1940-х годах Ротко присоединился к группе художников, считавших себя абстрактными экспрессионистами.Среди этих художников были Готлиб, Клиффорд Стилл, Джексон Поллок, Хелен Франкенталер, Виллем де Кунинг, Барнетт Ньюман и некоторые другие. Они называли свои работы абстрактными по своей природе. Это означает, что их шедевры предлагали сильные эмоции и выражение без каких-либо ссылка на земной мир.

    В 1949 году Ротко увлекся Красной студией Матисса, приобретенной Музей современного искусства в том же году. Позже он назвал это еще одним ключевым источником вдохновения для своих более поздних абстрактных картин.

    Я не абстракционист… Меня не интересует отношение цвета к форме или что-то еще… Меня интересует только выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза и т.д. А тот факт, что много люди ломаются и плачут, когда сталкиваются с моими картинами, это показывает, что я могу передать эти основные человеческие эмоции … Люди, которые плачут перед моими картинами, испытывают тот же религиозный опыт, что и я, когда я их рисовал.И если вас тронуло только их цветовое соотношение, то вы упустили суть», — Марк Ротко.

    Жанр произведений Ротко продолжился в 1950-е годы. Кроме того, в отличие от других картин с описательными названиями, у его работ были только номера вместо краткого названия. Ротко также решил создать картины, которые были больших масштабов, и он работал на вертикальных полотнах. Большинство его работ включали прямоугольники, окрашенные в разные цвета в зависимости от сообщения, которое они пытались передать.Эти прямоугольники также были представлены с ярко окрашенным фоном, создающим впечатление, будто они парят в воздухе.

    Он использовал этот стиль во всех своих работах, что дало ему множество идей в отношении сочетания цвета и пропорций. Таким образом, он использовал эти прямоугольники и светящиеся цвета, чтобы вызвать различные настроения и эмоции. те, кто смотрит на эти картины.

    Стиль Ротко назывался Colorfield Painting. Вместо обычных капель и брызг краски в его работах использовалось простое использование цвета с широкими размерами.Он также рисовал в несколько слоев красок, что имело образ, как будто они светятся изнутри. Зрителям также рекомендуется изучить его работы с очень близкого расстояния, чтобы они могли прочувствовать и подчеркнуть эмоции, вызванные этими картинами.

    В более позднем возрасте Ротко больше склонялся к более темным и мрачным цветам. Это было в 1960-х годах, когда большинство его картин включали в себя сочетание цветов, таких как черный, коричневый и темно-бордовый. В эту эпоху он также зарабатывая больше на комиссионных из-за своих масштабных работ.Например, он создал несколько фресок для нью-йоркского ресторана Four Seasons. Однако это осталось незавершенным, когда он решил бросить работу над этим проект.

    Еще одна масштабная картина, которую он написал, предназначалась для часовни в Хьюстоне, штат Техас. Консультируясь с архитекторами часовни, он смог создать торжественное и умиротворяющее пространство для созерцания, используя иммерсивные цвета.

    К 1968 году Ротко страдал от сильной депрессии из-за личных конфликтов.Это также было основной причиной его безвременной смерти, когда он покончил жизнь самоубийством 25 февраля 1970 года. Таким образом, он оставил Мэри Элис Бейстл, его вторая жена вместе с двумя детьми по имени Кристофер и Кейт. Юридический конфликт возник из-за более чем 800 картин, которые он оставил после своей смерти. Вскоре его оставшиеся работы были разделены между различными музеями. по всему миру, а также членов семьи Ротко.

    45-летнюю карьеру художника Марка Ротко можно разделить на четыре периода: годы реализма с 1924 по 1940 год, годы сюрреализма с 1940 по 1946 год, переходные годы с 1946 по 1949 год и годы классицизма с 1949 по 1949 год. 1970.На первых двух этапах Ротко рисовал пейзажи, интерьеры, городские пейзажи, натюрморты и картины нью-йоркского метро, ​​которые так повлияли на его дальнейшее развитие. Его работа во время Второй мировой войны и ближайший послевоенный период отмечен символическими картинами, основанными на греческой мифологии и религиозных мотивах. В период своего перехода к чистой абстрактной живописи он создал так называемые мультиформы, которые в конце концов превращаются в его знаменитые работы классического периода с их прямоугольными туманными цветовыми полями.

    Как и Винсент Ван Гог в импрессионизме, влияние Марка Ротко на американское движение абстрактного экспрессионизма огромно. Марк Ротко сегодня занимает свое место как один из самых важные художники модернизма после Второй мировой войны. Его радикальный отказ копировать природу сводил живопись к большим ярким цветным полям. Его работы оказали семинарское влияние на развитие монохромной живописи. Замечательна их пространственная глубина и медитативная сила, вовлекающие зрителя в диалог с произведением.Для Ротко фирменные «зрелые» картины, ставшие синонимами его имени, выходили за рамки чистой абстракции.

Post A Comment

Ваш адрес email не будет опубликован.